Coletivo Fotográfico PUNCTUM

Tarde de Luzes

2010-02-20T13:49:00.000-08:00

Entrevista com Luis Humberto

Arthur Monteiro

Arquiteto por formação, co-fundador e professor da Universidade de Brasília, fotojornalista, autor de quatro livros, pai e avô.

Luis Humberto escreve poesia com silêncio e luz.

Iniciou na fotografia registrando sua família e a delicadeza do dia a dia, seguiu para os maiores veículos jornalísticos do país como fotógrafo e editor e lutou pela imagem na ditadura militar. Colocou Brasília e o fotojornalismo político na pauta, pensando forma e informação.

Em um fim de dia, Luis Humberto recebeu PUNCTUM e Rinaldo Morelli para uma tarde repleta de luzes.

Sobre fotografar:

Você fotografa para você, não para os outros. Essa democracia toda é conversa. Não posso atingir o mundo. Fazemos para agradar a nós mesmos. Você joga isso à partilha de pessoas que estejam eventualmente interessadas em dividir isso contigo. Se não estão, o que posso fazer? Não posso induzir ninguém a fazer as coisas da minha maneira, nem gostar de tudo que faço. A riqueza da humanidade é sua pluralidade, ela não atrapalha e que bom que seja assim, a gente aprende muito.

Fotografia como arte:

Uma coisa que não devemos nos preocupar é em buscar um aparentamento da fotografia com formas já consagradas de arte visual. Isso leva-a a um abastardamento, ela tem uma ontologia própria. (…) O processo de criação está nas escolhas, na ordenação da linguagem. Toda manifestação de linguagem organizada é arte. Há uma confusão entre o que é arte e o que é aquilo enquanto duração como arte. Câmera, filme e processamento são um conjunto de meios destinados a produzir o registro de nossas visões de vida, apenas isto.

Obras de arte:

Eu vejo tudo, sem me prender a nada. Aprendi com o tempo a aceitar, a princípio, as diversas manifestações expressivas, pelo entendimento de que não podemos estabelecer categorias dentre aqueles que trabalham com arte. Cada indivíduo é um universo infinito de capacidades diferentes de leituras de mundo. Claro que se uma obra passa pelo crivo do tempo e sobrevive, torna-se uma referência permanente. Ainda tem o gosto, o julgamento de centenas de pessoas. É um mundo muito rico e que não podemos nos angustiar em excluir, temos que engolir. Com o tempo aprendemos que existem pessoas que trabalham bem, mas não é o cara que te fala ao coração. O que te toca? Toca em você de maneira diferente que toca em mim.

Banalização e falta de entendimento sobre a fotografia

(Acham que) fotografia não é um negócio importante, ela está no nosso cotidiano e como você sempre a vê impressa, tem uma familiaridade com ela que não te permite perceber a sua qualidade. Porque ensinar a técnica, qualquer um ensina. “Ah, você quer mais profundidade de campo? Você quer mais isso, mais aquilo?” Isso você ensina. Agora, discutir critérios e conceitos e olhar a fotografia criticamente é uma questão de complexidade bem maior.

Causo sobre a visão que as pessoas têm sobre fotografia.

Eu saía de férias todo fim de ano, ficava naquela obrigação de fotografar parentes. Aí fiz o seguinte: eu chegava, fazia o filme e entregava para quem eu achava ser o mais responsável. No outro ano, minha cunhada veio (estava com ela o filme) “Poxa, o pessoal lá onde mandei revelar, disse que nunca tinha visto umas fotos tão bonitas.” Ela falou: “Aí eles me perguntaram se aquilo se devia ao fotógrafo ou à máquina” Fiquei esperando a resposta dela: “Metade, metade”. (Risos) Metade é o fotógrafo, metade é a máquina. Aí eu disse que ela esqueceu o filme também. (risos) É, não tem jeito. Mas isso é um entendimento que leva muito tempo para se formar na cabeça das pessoas. São os equívocos, a gente não pode nem perder tempo. Podemos incorporar no anedotário. A coisa é tão mais complicada, tão mais bonita, tão mais sofrida, que não temos que considerar isso como algo que valha a pena. Não há entendimento de que a câmera é somente um intermediário entre intenções e resultados. O que importa está na sensibilidade de quem fotografa, ela é a real força de criação.

Manipulação na fotografia digital

Acho que as pessoas tão fazendo isso sem sentir. De um modo geral não ligam muito, olham como uma espécie de descoberta de truques… Outro dia nós fomos jantar, era o aniversário de um amigo. Uma convidada, dessas que não conseguem ficar caladas mais que a tua pergunta, foi apresentada a mim. Meu amigo disse: Esse aqui é o Luis Humberto, fotógrafo. Ela disse: “Ah, fotografia? Eu acho fotografia um negócio um pouco trick, né?” Como quem diz “cheio de macetes”… Eu disse: “Essa é a visão primária do que as pessoas que não conhecem o assunto têm!” Aí matou logo o jantar, vamos tratar da comidinha, vamos parar de posturas pseudo-intelectuais… Ela ficou quieta. Porque não pode calar não. O tempo todo você enfrenta esse assunto. Eu estou com 46 anos de fotografia, e enfrento isso o tempo todo, essas visões pré-concebidas. Acho que tudo nasce um pouco dessa idéia da fotografia estar ligada a um certo compromisso aparentemente implícito com a reprodução ipsis literis do real. E não é, a gente sabe que não é! A fotografia é um meio, ela pode eventualmente servir como um caminho documental, mas não é uma obrigação com a reprodução estrita do real. Ela é um meio de entrar na realidade e traze-la transcrita a partir de sua visão de mundo. Parece complicado, mas é mais do que parece.

Sobre fotografia como profissão:

É uma profissão fantástica. Quando troquei de profissão, foi um escândalo na família. Eu já era grande, ninguém passou fome. Você vai à luta, é paixão, não tem jeito, não pode ser outra coisa. É tão maluco, as perspectivas são tão degradantes para o fotógrafo (risos). Quando comecei, mandei meu portfólio para o Jornal do Brasil, era o melhor lugar para fotografia jornalística, o Walter Firmo já estava lá. O currículo que eu tinha na época era de professor universitário, então mandei. Anos depois desconfiei que o editor pensou que aquilo era chave de galão, mas era o que eu tinha. Sou brasileiro, brasileiro é todo deformado, onde você começa como professor universitário e vai virar fotógrafo de jornal!? Quem vai acreditar nisso!? Recebi então uma carta, dizendo que quem era bom provava no trabalho. E eu queria trabalhar lá. Ele me mandou as fotos de volta, e encaminhei o mesmo grupo de fotos para a Editora Abril, que acolheram com muito mais generosidade e me ofereceram um posto em São Paulo, o qual na época, não pude aceitar.

Sobre o mercado de trabalho do fotojornalismo

Criou-se uma geração muito grande de fotojornalistas de muita qualidade e há uma geração nova de fotógrafos muito bons. Os caras não tinham escolaridade e isso não é nenhum desdouro para eles não. Foi assim que se formou o quadro de fotojornalistas brasileiros. Sou um cara estranho, do ponto de vista etário eu deveria pertencer a uma geração mais antiga, do Walter Firmo. Mas pertenço a outra geração porque cheguei tarde. No começo julgava duramente algumas dessas pessoas, depois você olha e a vida para eles não foi fácil , houve muita luta e pouco reconhecimento.

Ser fotojornalista em Brasília

Hoje o mercado é mais exíguo. A princípio, sem pensar muito, eu acho que as dificuldades básicas continuam como eram no começo. Houve um momento em que o grande espaço era o fotojornalismo. A Veja me dava um certo prestígio, tinha dentro da própria empresa um certo movimento, tinha um diretor de sucursal que era uma figura rara, o Pompeu. Pude favorecer o crescimento de free-lancers dentro da Abril: Juvenal Pereira, Valter Sanches e fui trazendo, Samuca, Marcos Santili… São pessoas que a gente foi puxando para dentro da própria empresa. Não havia promessa, era “se aproxima e vem”. Tive uma experiência no Jornal de Brasília em que a gente pôde revelar umas pessoas. Mas hoje em dia essas coisas tão muito raras… Em nome da eficácia e da rentabilidade da empresa, houve uma redução de custos e um prejuízo humano considerável. Não estão muito preocupados com pessoas capazes de fazer da fotografia um meio de expressão digno, uma coisa que tenha beleza, que seja infinitamente rico! Todo meio de expressão é. Então você tem aqui o que? Você enfrenta um chefe de redação com visões limitadas – nisso eles não evoluíram nem um pouco – e aquela visão que eles têm da fotografia, extremamente primária. E com isso aumentam as dificuldades, esse é um problema antigo e parece que interminável com relação à fotografia. O espaço onde ocorrem as decisões nunca foi ocupado por fotógrafos, porque os fotógrafos nunca se qualificaram também, sempre se mantiveram no papel dos coitadinhos. Sempre alguém está devendo a eles. Isso fez com que muita gente fosse embora. Agora, é comovente, porque quando eu comecei – comecei tarde, com uns 28 anos, mas me profissionalizei com uns 32 –comecei a trabalhar para a Abril e você não tinha onde colocar tanta gente. Aí as sucursais abriram. Hoje em dia você tem a digital, que não tem esse problema, você pode comprar uma digital, o cara ta lá com seu laptop e seu telefone celular, joga na tua redação, direto sem perguntar nada a ninguém. Estive em um grande jornal há uns anos, e me mostraram maravilhados a nova tecnologia, as fotografias lindas, brilhantes… E eu olhando e tentando me conter para não achar também! Mas o negócio é o seguinte: eles botavam aquilo num terminal de computador, acionavam uns botõezinhos, aparecia uma quantidade enorme de fotos para escolha da definitiva. Você não tinha nenhuma ingerência, você que fazia. A questão da autoria era inteiramente brecada, inteiramente bloqueada nesse movimento. Você fazia, mandava e quem editava eram eles. E sempre os comentários são inteiramente primários. Esse adjetivo não é forte nem ressentido, porque não mudou nada em relação ao meu tempo de iniciante e isso tem o que? Quarenta anos. Não mudou nada. Então para isso, tem que se encontrar um caminho de luta, de outros espaços para que você não vá ficar devendo ou à espera permanentemente de um lugar ao sol.

Brasília ser produtora de fotojornalismo

Não deixa de ser porque como é centro de poder, você sempre tem Anões do Orçamento, mensalão e agora o Renan Calheiros… Então tem sempre esses elementos que dão material para você trabalhar. Só que eles criaram outros impedimentos, no nosso tempo a gente corria em frente à mesa do Senado, subia – por trás do Senado e da Câmara – fazia embaixo, você trabalhava com as bancadas. Agora é todo mundo de terno e lá em cima. Outro dia eu vi pequenininhos, de raspão, coitadinhos… Os caras lá em cima pareciam uns micos dentro do zoológico, fotografando lá de cima. Quer dizer, isso cria um engessamento da movimentação para a fotografia… Porque a fotografia, principalmente jornalística, é você dominar o espaço. Você tem que se movimentar, porque se você se movimenta, consegue ver coisas, cercar melhor. A posição do fotógrafo no espaço é fundamental. E como você vai falar de posição do fotógrafo no espaço se você vai olhar por aquele buraco, aquele vidro, todo mundo trepado um em cima do outro, com uma tele, todo mundo fazendo as mesmas fotos? Ou bem próximo, ou dependendo muito não do teu talento, de ir buscar e encontrar alguma coisa significativa, mas esperando que o cara bote o dedo no nariz, como se dizia antigamente, alguma coisa que não tem a menor importância, coisas anedóticas para que isso seja usado como fotojornalismo. Na verdade não é, né? Quer dizer, é e não é. Essa é a cara do fotojornalismo hoje. E o fotojornalismo se faz na rua. Mesmo assim os talentos continuam a surgir, incomuns e inaproveitados.

Baixa qualidade do fotojornalismo atual

(falava-se sobre décadas anteriores quando o fotógrafo buscava sempre transmitir uma mensagem crítica na imagem) Hoje em dia eu olho e não acho nada. A história mostra que você tem um ápice e depois cai. As circunstâncias é que fazem essas mudanças ocorrerem. Houve desde o período da ditadura para cá uma desqualificação geral dos quadros profissionais brasileiros, se você considerar a atitude que o cara deve ter. As queixas contra os médicos, as queixas contra qualquer tipo de profissional. Isso vem dentro de uma atitude que foi diluída. Porque? Não sei, pela impunidade, falta de cobrança, desaparecimento das gerações mais velhas – que seriam as gerações que conduziriam essa moçada à luta – a falta de orientação… Esse negócio das cabeças pensantes não pertencerem aos fotógrafos e eles aceitarem isso porque não se qualificam e não buscam o poder, aceitar ficar do jeito que está… Tem uma história de um incêndio, num daqueles prédios de São Paulo – o Joelma ou um outro – tinha um cara na redação “Pô, eu to aqui sozinho, me vê um fotógrafo” O cara era o editor de fotografia! Aí um cara passou e disse: “Mas você não é fotógrafo?” Ele tinha esquecido! Quer dizer, se ele tivesse mantido essa identidade, assim que apareceu a pauta ele falaria “Olha, eu vou sair para esse incêndio!” Ia até a mesa, pegava a câmera e ia. Mas não, ele ficou sentado esperando que Nosso Senhor Jesus Cristo provesse um fotógrafo para ele, para resolver a vida.

Sobre a experiência como editor no Jornal de Brasília

Nós pegamos um pessoal muito novo, que era Marcos Santilli, Salomon Cytrynowicz, Antônio Pinheiro, Guilherme Romão e montamos um grupo. Quando olhei para aquela turma, sabe o que é você ter um ataque cardíaco? Era um grupo tão desigual, de formação diferente, eu disse “Mas vamos ver como é que dá certo”. Porque dá, é possível, você não pode vir com idéias pré-concebidas. O que eu queria é que houvesse um rendimento bom, queria que cada um se manifestasse no seu jeito particular de ser. É a única maneira que você tem de obter um bom resultado. Você tinha que adequar os caras às pautas. Você não pode chegar e mandar o cara fazer qualquer coisa. Se você manda um fotógrafo para o Palácio do Planalto, que não sabe quem era o Presidente da República, ia fotografar como qualquer coisa, como a Miss Brasil, por exemplo, não faria diferença para ele! No último dia útil da semana, a gente dava uma espécie de aulinha para eles, levava revistas… Fiz pouca coisa porque não deu tempo, você tem que sentir receptividade disso em função do andamento do trabalho. E nós pegamos, por exemplo, as duas páginas centrais, acertamos com o Comercial e era proibido botar anúncio ali. Botávamos as páginas limpas e começamos com ensaios fotográficos só com foto, depois passamos para um ensaio fotográfico com um pequeno olho, que quem escrevia era o editor de Cidades, um diplomata e jornalista que tinha saído da chefia da Veja e ido para lá. Levamos aquilo como uma experiência nova, começamos a fazer umas coisas boas, passaram a vender mais o jornal. Mas isso não comove não. Porque cara que pensa dentro de um jornal de uma forma autônoma e bota outros para pensar, é perigoso. Porque o jornal tem dono. E não é o povo da cidade não, meu amigo, quem disse isso ta mentindo (risos).

Sobre edição:

(…) Quem tem que ser o editor não é o cara que fotografa melhor, é o cara que tem idéias sobre a questão da fotografia. Foram anos nessa batalha. A gente trabalhava (no Jornal de Brasília e na Revista Veja) muito com a idéia do conceito. Eu não mandava copiar as fotos e fazer um portfólio para eu ver. Eu queria o contato, queria ter uma idéia do processo de criação e então discutíamos.

Sobre buscar a informação:

Quando fui ao Irã fazer uma pauta para a Claudia, fiquei 21 dias. Foram uns 90 rolos, cerca de três por dia. Isso para um americano era pouco. Em Paris, fiquei 8 dias esperando o avião da Air France para Teerã, comprei um livro sobre o Irã e li. Você não pode chegar num lugar desinformado, sem saber do que se trata. No caso do Irã é complicado, uma história rica de guerras, dinastias, etc. O risco do fotojornalismo é ser pego pelo olho e ficar fotografando coisas que não interessam ou que são falsas, sem significação ou informação. Você fica meio perdido.

Diria algo a quem está começando?

Tenho muitas coisas a dizer. Tem que respeitar a pluralidade. Não só a humanidade é plural, como você também. Com o tempo você se transforma em outra pessoa, tem outras visões de mundo, outras maneiras particulares de ver. São experiências novas que se incorporam. Não perca tempo achando que Fulano está bem ou mal, você que deve estar bem a partir de seus critérios. Submeta que seu trabalho não se feche em você, não se feche em torno de si mesmo, não seja seu próprio juiz. Você tem que ser mais generoso consigo mesmo. Autocrítica é um negócio importante. Em 1967, eu já estava em operação ha uns cinco anos. Estava em Ouro Preto com um amigo, fui fotografar para um fascículo da Ed. Abril. Comecei a fotografar e comecei a me sentir tão incompetente, “Acho que não dou para esse negócio”. Foi uma baixa e depois passou. Não fiquei convencido não, mas achei que havia uma possibilidade (risos). É um sofrimento que está dentro da vida do artista. O Felizardo me disse um negócio muito bom – somos amigos há uns 30 anos -, e conversando com pelo telefone, ele dizia: Se você disser que é um artista, as pessoas acham que você está se auto-elogiando. Na verdade é uma condição do teu trabalho, da natureza do teu trabalho. Você é artista porque é um cara que cria. Se cria bem ou mal, é uma coisa que o tempo vai resolver. Você pode ir para lugar nenhum, pode ir para as antologias, pode não ir e ser descoberto por alguém 200 anos depois, ou pode não ir e ficar por isso mesmo, desaparecer no tempo, virar poeira. O trabalho é esse, você tem que ter mais respeito pelo que faz e sobretudo pelo que os outros fazem. Claro que tem vigaristas inomináveis, você tem que mobilizar seu espírito crítico, fazer um exercício constante para saber quem são eles.

(…)

Na época da Veja, o Marcos Santilli escreveu um documento ao Mino Carta na qual ele dizia uma coisa que nunca esqueci: “A fotografia é um ato individual, mesmo porque, no visor só cabe um olho de cada vez.”

O que é punctum?

Isso foi algo que me perguntei por muito tempo. Sou fã do Roland Barthes, é uma pessoa extremamente sensível. O punctum é um ponto que o cara elege. O punctum de uma foto para Barthes é diferente do meu punctum para a mesma foto. Ele diz isso. De vez em quando leio a Câmara Clara de novo, o livro está todo riscado. O Barthes não fez fotografia, mas tinha uma percepção rara, ele vale a pena mais do que esses saberes elaborados com os quais a gente cruza a toda hora. Mas punctum é um ponto que puxa você. Tem a célebre foto da menina negra, Barthes é vidrado no cordão do sapato dela. É uma coisa que o puxou, é algo que atrai muito a pessoa. É uma variável, não é um dado fixo. O punctum para ele não é o mesmo para você, tem mais a ver com o ler a imagem do que o fazer. Não sei se com vocês acontece, quando fotografo, tenho o protagonista da imagem, mas tem coisas em volta que eu dou uma arrumada, o canto do olho trabalha nisso.

Pep Bonet

2010-02-12T17:35:00.002-08:00

Pep Bonet nasceu em Colonia de Sant Jordi, Palma de Maiorca, em 1974. Começou a estudar fotografia e dedicou-se profissionalmente depois de ver uma exposição do fotógrafo holandês Ed Van Der Elsken. Em 2002, foi eleito como um dos 30 melhores jovens fotógrafos pela New York Magazine. Durante os últimos sete anos, seu trabalho tem incidido sobre a África, em projetos de longo prazo incluindo as fotos do livro "Faith in Chaos", ensaio sobre o pós-guerra em Serra Leoa, e que lhe rendeu exposições e os prêmios Kodak Young Photographer's e em 2007, o segundo lugar no World Press Photo. Suas fotografias documentam as vítimas da guerra, jovens que tiveram seus membros amputados, e a recuperação da autoestima através da prática do esporte. Pep Bonet recebeu em 2005, o prêmio The W. Eugene Smith Grant in Humanistic Photography por seu trabalho sobre a pandemia do HIV na África. Bonet trabalha em associação com a organização Médicos Sem Fronteiras em seis países.

Fotos: © Pep Bonet

Texto - Fonte: Um postal para um amigo

Pep Bonet

2010-02-12T17:35:00.001-08:00

O inferno nem é tão longe

2009-10-29T16:26:00.000-07:00

O mês em que o presidente dos Estados Unidos, Barack Obama, ganhou o prêmio Nobel da Paz por seus “extraordinários esforços para fortalecer a diplomacia” registrou o maior número de soldados mortos no Afeganistão desde o início do conflito, em 2001. O período ainda foi marcado pela onda de violência nos frontes da guerra, com grandes atentados no Afeganistão, Paquistão e Iraque.Obama defende a retirada gradual das tropas do Iraque e um maior envolvimento da comunidade internacional no conflito afegão. O problema é que o último atentado em Bagdá, que deixou 155 mortos e mais de 500 feridos, demonstrou que o Iraque não está tão seguro como se imaginava. Enquanto isso, o Taleban promove grandes ações contra alvos internacionais, como o ataque com coletes-bomba e atiradores que matou 12 pessoas numa residência da ONU no coração da capital afegã, Cabul. Nesta semana, o Paquistão, que promove uma ofensiva contra redutos do Taleban e da Al-Qaeda na fronteira com o Afeganistão, sofreu o seu pior atentado em dois anos. Um carro-bomba foi detonado em um mercado lotado no noroeste do país, matando mais de 100 pessoas – a maioria mulheres e crianças – e ferindo mais de 200.

Texto: Talita Eredia
Veja todas as imagens editadas por Nilton Fukuda aqui.

The Chinese

2009-10-09T08:07:00.000-07:00

After two hundred years of relative decline, China is about to regain its geopolitical importance and is one of the fastest developing countries in the world. The Chinese society is in an unparalleled upheaval. But the effects of the incredible economical boom aren’t felt the same way throughout the country. While urban centers like Shanghai and Hong Kong aren’t much different from big Western metropolis anymore, there are still a lot of small towns in the countryside that seem to come out of a different age.

In June we travelled to Beijing, to start from there an epic road trip through 30 of Chinas 33 provinces, independent cities and autonomous regions. We were on the road for more than seven months, travelled over 30000 kilometer and visited many remote and untouched areas. On this trip, we shot portraits of people from the most different social backgrounds, in all areas of this vast country. From the mighty industrialist Ying Ming Shan in Chongqing to the poor coal miner Su Zhenglin in Shanxi province. From the prostitute Xia Lan in Shenzhen to Yao Dongmei, the project manager of the prestigious CCTV tower construction in Beijing. The people were always shot in their natural environment.

These portraits tell much about China today. A fascinating place full of contradictions.

Images: Mathias Braschler & Monika Fischer

A verdade é a mais pura verdade

2009-10-07T11:15:00.000-07:00

Ana Cristina, minha irmã, fotografada por mim depois de retirar um tumor maligno e seus dois seios.Te amo Cris!

ESTATUTO DO HOMEM
(Ato Institucional Permanente)

A Carlos Heitor Cony

Artigo I

Fica decretado que agora vale a verdade.
agora vale a vida,
e de mãos dadas,
marcharemos todos pela vida verdadeira.

Artigo II
Fica decretado que todos os dias da semana,
inclusive as terças-feiras mais cinzentas,
têm direito a converter-se em manhãs de domingo.

Artigo III

Fica decretado que, a partir deste instante,
haverá girassóis em todas as janelas,
que os girassóis terão direito
a abrir-se dentro da sombra;
e que as janelas devem permanecer, o dia inteiro,
abertas para o verde onde cresce a esperança.

Artigo IV

Fica decretado que o homem
não precisará nunca mais
duvidar do homem.
Que o homem confiará no homem
como a palmeira confia no vento,
como o vento confia no ar,
como o ar confia no campo azul do céu.

Parágrafo único:

O homem, confiará no homem
como um menino confia em outro menino.

Artigo V

Fica decretado que os homens
estão livres do jugo da mentira.
Nunca mais será preciso usar
a couraça do silêncio
nem a armadura de palavras.
O homem se sentará à mesa
com seu olhar limpo
porque a verdade passará a ser servida
antes da sobremesa.

Artigo VI

Fica estabelecida, durante dez séculos,
a prática sonhada pelo profeta Isaías,
e o lobo e o cordeiro pastarão juntos
e a comida de ambos terá o mesmo gosto de aurora.

Artigo VII
Por decreto irrevogável fica estabelecido
o reinado permanente da justiça e da claridade,
e a alegria será uma bandeira generosa
para sempre desfraldada na alma do povo.

Artigo VIII

Fica decretado que a maior dor
sempre foi e será sempre
não poder dar-se amor a quem se ama
e saber que é a água
que dá à planta o milagre da flor.

Artigo IX
Fica permitido que o pão de cada dia
tenha no homem o sinal de seu suor.
Mas que sobretudo tenha
sempre o quente sabor da ternura.

Artigo X
Fica permitido a qualquer pessoa,
qualquer hora da vida,
o uso do traje branco.

Artigo XI

Fica decretado, por definição,
que o homem é um animal que ama
e que por isso é belo,
muito mais belo que a estrela da manhã.

Artigo XII

Decreta-se que nada será obrigado
nem proibido,
tudo será permitido,
inclusive brincar com os rinocerontes
e caminhar pelas tardes
com uma imensa begônia na lapela.

Parágrafo único:

Só uma coisa fica proibida:
amar sem amor.

Artigo XIII

Fica decretado que o dinheiro
não poderá nunca mais comprar
o sol das manhãs vindouras.
Expulso do grande baú do medo,
o dinheiro se transformará em uma espada fraternal
para defender o direito de cantar
e a festa do dia que chegou.

Artigo Final.

Fica proibido o uso da palavra liberdade,
a qual será suprimida dos dicionários
e do pântano enganoso das bocas.
A partir deste instante
a liberdade será algo vivo e transparente
como um fogo ou um rio,
e a sua morada será sempre
o coração do homem.

Thiago de Mello
Santiago do Chile, abril de 1964

Da sucata ao luxo

2009-10-04T20:36:00.000-07:00

Dinorah José Borges

Por Marcelo Abreu, Correio Braziliense

De longe, ela acena. O sorriso é bonito, mesmo com tanta tragédia. Os olhos esverdeados gritam por vida. Está de luvas, máscara e uniforme no meio de toneladas do que ninguém mais quer. É lá, na Central de Reciclagem do Varjão (CRA), que aquela mulher tira o sustento de todo dia. E não é fácil ser ela. Aos 40 anos, é viúva, teve 10 filhos, contam-se até agora 12 netos e seis bisnetos. Hipertensa desde jovem, há quatro anos, mal completara 36, teve um brutal acidente vascular cerebral (AVC). O médico lhe disse que nunca mais andaria ou falaria. Pouco tempo depois, ela andou e falou. Voltou a trabalhar. Sentiu a vida se expandindo por todos os poros.

Ex-doméstica, ex-empacotadora de supermercado, a vida nunca lhe fora fácil. Para completar, a casa em que vivia havia mais de 20 anos no Varjão estava em terreno inadequado. Com a padronização e postura do código de edificação em vigor na cidade, o barraco teve de ser demolido. Ela chorou, mas precisou enxugar as lágrimas. Era tudo que conseguira na vida, desde que ali chegou, no começo de tudo, antes mesmo de o lugar virar cidade.

A administração, porém, não a desamparou. Prometeu ajudá-la no aluguel até que ela construísse, ali mesmo, mas de forma regular, sua nova moradia. E ela voltou a trabalhar. Reciclou mais do que nunca. Dinorah José Borges é uma fortaleza. Na terça-feira, enterrou uma sobrinha que morava no Paranoá. Chorou mais uma vez como chorou a morte do filho mais velho, assassinado há três anos no mesmo lugar onde nasceu. No dia seguinte, depois do enterro, voltou a trabalhar. E mais uma vez enxugou as lágrimas.

Dinorah é vaidosa. “É a única coisa que ainda me restou. Até a minha casa eu perdi”, ela diz. A vaidade a levou a ter tatuagens. Atrás das orelhas, desenhou estrelinhas. Nas costas, um golfinho. No tornozelo, rosas. Usa piercing na sobrancelha e as unhas são pintadas com desenhos de flores. Nos dedos da mão direita, três anéis feitos de casca de coco. Na esquerda, a mesma quantidade.

Dinorah recicla o que não serve mais para ninguém. Dali, com mais 25 mulheres, tira o seu sustento. Quando o mês é generoso e aquela gente abastada do Lago Norte joga fora o que não cabe mais em suas casas igualmente abastadas, consegue juntar até R$ 300. O Varjão, com 9 mil habitantes, colado ao Lago Norte, está a anos-luz dali. Ela nunca teve dúvida da distância que separa os muito ricos dos muito pobres.

Inédito

Com a casa no chão, o único bem que conseguira juntar em 20 anos de Varjão, a administração prometeu ajudá-la. A professora Ana Beatriz Goldstein, 42, coordenadora de projetos especiais da regional, teve uma grande ideia. Por que não montar um ambiente da cidade no Casa Cor Brasília(1)? Levou a ideia às organizadoras. Aceitação total. A administradora Luiza Werneck, 53, também comprou a novidade.

De volta ao Varjão, Ana Beatriz reuniu as trabalhadoras da CRV e da Associação Girassol, mulheres costureiras que aos poucos, com suas confecções, estão se tornando independentes e levando suas peças às lojas da capital. Contou-lhes a proposta de levar o que de melhor a cidade tem para aquele mundo tão longe da vida delas. E, num trabalho de extrema parceria, empresas e entidades se juntaram em prol do Varjão. Dos resíduos que chegam ao galpão, das sucatas, nasceu a arte. Durante 60 dias, a singular e talentosa artista plástica Usha Velasco, 41, trabalhou voluntariamente e criou verdadeiras obras com o que aquelas mulheres reciclavam.

As costureiras criaram bonecas de pano. No seu ateliê do lixo, Usha juntou tudo isso e, na Casa Cor Brasília, montou um cantinho chamado de Varjão Consciente. O espaço tem a mesma metragem do tamanho que terão as salas de jantar e de estar da nova casa de Dinorah — 21 metros quadrados. “É o espaço dalit para o Varjão”, brinca Ana Beatriz. Dois dias antes do término do evento, algumas peças estarão à venda. E o dinheiro arrecadado será todo dividido entre as recicladoras e as costureiras.

Na CRV, a torcida pela reconquista da dignidade do endereço de Dinorah é grande. “Separei muitas latinhas pro trabalho. Ela merece por tudo que já enfrentou na vida”, diz Dalva Alves Silveira, 34. Viviane Oliveira, 25, se emociona: “A Dinorah é batalhadora, uma guerreira”. Vanessa Gonçalves, 22, ainda agradece: “Além de gente boa, ela me dá conselhos. Valeu a pena trabalhar tanto”. Até a presidente da CRV, Edinei Santarém, 34, entrou na luta pela casa da colega: “A gente não se cansa quando precisa ajudar”. E comemora: “A central completa um ano semana que vem. No começo, a gente trabalhava o mês inteiro e no fim não dava mais do que R$ 30. Hoje, se consegue levar pra casa até R$ 300”.

Verdade sem retoques

No espaço do Varjão montado no Casa Cor Brasília, Usha criou um ambiente com móveis e retratos, clicados pela lente sensível do fotógrafo Arthur Monteiro, parceiro da artista nesse trabalho sensacional. Ele revelou os moradores no seu dia a dia, em suas casas, suas expressões de sonhos e esperança, rostos sem maquiagem, sem botox, sem chapinhas, roupas de grife ou castelos ornamentando a paisagem. O resultado? A verdade sempre emociona. Ana Beatriz, a professora da regional, se encanta: “É a revolução silenciosa que está sendo feita no Varjão”. Revolução com o que há de melhor no ser humano: a vontade de se transformar. De se reinventar. É o que aquela gente tem feito todos os dias.

No fim da manhã de ontem, o Correio convidou Dinorah para conhecer o espaço Varjão Consciente naquele lugar tão distante de sua realidade. A recicladora trocou o uniforme que usa no galpão e entrou naquele lugar. Ficou maravilhada. Numa das fotos expostas, está a filha dela, que acabou de parir e lhe deu mais uma neta. Na bela fotografia em preto e branco, o mosquiteiro da recém-nascida enfeita a cena. É foto para prêmio. “É como se eu entrasse no meu lar, voltasse à minha casa”, ela compara, com os olhos espantados.

Todas as mulheres que trabalharam no projeto visitarão o Casa Cor Brasília. Percorrerão seus ambientes de revista. É um mundo além do que podem imaginar. Irão com suas roupas simples e uma enorme vontade de conhecer, apreciar, deliciar-se. O belo, de fato, enche os olhos. E entrarão no espaço que ajudaram a construir, a cidade delas. Vão se sentir importantes. Como realmente são.

Sairão dali com a certeza de que, mesmo com a distância incalculável que as separa do mundo sofisticado daquela gente abastada, elas existem, trabalham, produzem, sustentam suas famílias e, no meio do que ninguém mais quer, encontram arte. Essas mulheres do Varjão são sensacionais. Conhecê-las é como voltar a acreditar em gente. No melhor que gente pode ser. Salve, Dinorah, uma recicladora!

1 - Puro requinte
É o maior evento de decoração do Centro-Oeste, que abrirá amanhã suas portas para o público. O local escolhido para ser sede da mostra foi o Clube do Servidor, no Setor de Clubes Norte. O espaço é o maior da história do Casa Cor Brasília. São 18 mil metros quadrados, dos quais mais de 5 mil metros serão usados na construção de 61 ambientes. O tema deste ano será a sustentabilidade. Nesta edição, haverá também uma homenagem ao paisagista Roberto Burle Marx, que deixou sua marca em vários jardins da capital federal e este ano completaria 100 anos. O investimento no evento é de cerca de R$ 5 milhões e a expectativa é que o número de visitantes aumente para 40 mil pessoas durante os 40 dias da mostra, que se encerará em 4 de novembro.

Prêmio Sesc de Fotografia Marc Ferrez 2009

2009-09-28T08:20:00.000-07:00

Arthur Monteiro

Imagem intitulada Conscientização ecológica, agraciada com o segundo lugar.

Páginas policiais

2009-09-08T19:32:00.001-07:00

Quem já teve a infelicidade de frequentar as páginas policiais como personagem ou testemunha, e não apenas na confortável posição de leitor – ou de voyeur –, reconhecerá nessas fotografias de Arthur Monteiro um registro da vida como ela é. O trágico e o banal estão ali, lado a lado, desconcertantemente próximos. Como a luz amarela sobre o asfalto, tornando quase bela a forma do lençol no chão. Quase. Como disse Drummond, uma coisa são duas – ela mesma e sua imagem.

Elas mesmas, as coisas, são as seguintes: batida policial no Setor de Indústria, à procura de ladrões de carro. Perícia no local de um assassinato, em Samambaia. Empresário assassinado no Setor de Postos e Motéis, em frente à Candangolândia. Merla apreendida no Chaparral (Ceilândia Norte). Suspeito de envolvimento na fabricação de merla. Delegado da 21ª DP (Taguatinga Sul) durante apuração de um assassinato. Jovem acusado de matar os assassinos do irmão, todos envolvidos em acusações de tráfico. Velório no cemitério Campo da Esperança. Velório da primeria pessoa morta por dengue no DF. Morte por linchamento no Céu Azul (o morto era suspeita de latrocínio, roubo seguido de assassinato). Policiais acusados de matar por espancamento um comerciante da Ceilândia. Debaixo do jornal, o corpo de um homem assassinado por dívidas de jogo, num boteco em São Sebastião. Menino de doze anos atropelado por um caminhão na Via Estrutural.

Difícil lidar com essas legendas, assim agrupadas. Informações duras e cruas. Foi exatamente dessa forma que Arthur as apresentou, quando solicitado. Para mim foi mais fácil lidar com as imagens. Talvez uma coisa sejam três: ela, sua imagem e todo um universo de informações.

Usha Velasco

Eloge de ma fille

2009-09-06T16:44:00.000-07:00

As imparidades de sua trajetória se refletem num olhar apurado sobre o que de insondável há na alma feminina por uma tangente de sensualidade. Mesmo antes de sua primeira exposição, em 1975, a fotógrafa francesa Irinia Ionesco já havia despertado o interesse de um grupo particular de artistas; mas seu êxito – paradoxal - e aclamação viriam de seu maior escândalo; a exposição Eloge de Ma Fille entraria na galeria Nikon de Paris e era esse mesmo olhar fetichista agora voltado para ela, Eva Ionesco... dos 5 aos 10 anos, em ensaios eróticos.
Segundo Irina, a proposta que originou a série de fotografias surgiu da própria Eva; eram sem dúvidas anos muito diferentes dos nossos, de uma busca e aceitação da liberdade sexual, ou ainda da liberdade dos corpos. Como mulher e artista, fruto de sua época, não pareceu estranho à francesa que Eva também pudesse ser alvo de fotografias simbolistas e que fosse focada exatamente como as outras mulheres, adultas, alvos das lentes de Irina.

As datas divergem - uns falam em 4 a 11 anos, outros de 5 a 10 anos de idade; ficamos aqui com a segunda possibilidade por ser a mais encontrada nas fontes – mas, sistematicamente, ano após ano, a fotógrafa utilizou sua filha como modelo em fotografias branco & preto de extremo apuro e ousadia. Ousadia até maior que a encontrada nas demais imagens obsessivas produzidas por Ionesco, muito maior. Eva aparece em nus, mas o efeito aterrador é o mesmo se ela é capturada vestida, como isso? É intrigante.
Assim a menina Eva surge como criança-mulher nos mesmos ares sombrios, ornada com dezenas de jóias ou bijuterias ordinárias, artefatos que falam deste mundo particular onde convivem delírio, morte, sensualidade e paixão. Seria quase uma entidade, um totem, um mito... Mas Eva era e é real: o choque é inevitável. Comunidade artística e opinião pública se puseram maciçamente contra Irina; a primeira – que já classificava seu trabalho como um desfile de maus gostos – considerou a coleção como o ápice dos absurdos, aquilo simplesmente não era arte. Já o público, numa oposição já esperada e recorrente, a execrou alegando uma falta explícita de moralidade.
Nada disso, logicamente, impediria Eloge de ma fille de entrar para a história da fotografia e do erotismo. Mesmo hoje, em que vivemos tempos de tão intenso tráfego de material de pedofilia, tempos que talvez nos turve a visão para certos aspectos fascinantes do bizarro ou do cruel, as fotografias que Irina Ionesco fez de sua filha permanecem inadvertidamente cheias do mesmo conceito, da mesma busca pela natureza do ser mulher vista através dos anos que passam para Eva e a revelam tão ou mais terrível (e uso terrível no sentido de espantoso) que a Lolita de Nobokov.
Abaixo, ficam aos leitores suas próprias interpretações, choques, achaques, absolvições ou engrandecimentos à obra prima de Irina Ionesco.

Fonte: uncovering

Toda fotografia é uma farsa

2009-09-02T07:53:00.000-07:00

Weimer Carvalho usa um gesto simples para produzir estranhamento e significados. Brinca com a identidade na tradição do retrato e ainda parodia o artista americano John Baldessari

Que bela foto!

Por Rodrigo Braga

Em maior ou menor grau, toda imagem é uma construção do fotógrafo, e todas as escolhas e elementos contidos no quadro são passíveis de leitura e interpretação. Mesmo no fotojornalismo, sabemos que a imagem é um misto do acontecimento, do referencial (ou seja, do objeto fotografado) e das intenções do fotógrafo. Ainda que essas “intenções” não estejam para ele muito claras no momento do click, não podemos negar que elas são parte do repertório da formação daquele indivíduo fotógrafo, seja profissional ou amador.

Peço licença aqui para abordar um assunto que, em parte, foge ao tema da entrevista para qual fui convidado no Paraty em Foco (fotografia e auto-representação). Digo “em parte” pois também quero dizer da minha própria prática para exemplificar meu pensamento.

Nos últimos meses venho refletindo bastante sobre os riscos de uma “bela” foto. Para além do discurso de que a beleza é algo muito subjetivo e de que isso não se discute, consideremos aqui aquele belo que está culturalmente entranhado no hábito do ver do homem ocidental e midiático, ou seja, aquilo que, no meio dessa profusão de imagens do mundo contemporâneo, agrada aos olhos de uma maioria. Falo do prazer estético do olhar, daquele gozo retiniano que nos acomete ao vermos uma imagem bem estruturada, equilibrada, fartamente colorida ou bem desenhada nos velhos moldes da fotografia em preto e branco. Nesse sentido, faço questão de incluir a minha própria obra nessa abordagem, uma vez que minha formação e inicial atuação como desenhista e pintor foram fundamentais (e muito) para construir minha identidade enquanto fotógrafo nos dias de hoje. Sobretudo na série Paisagens (2008), percebi o quanto fotógrafo como um pintor. Embora não busque objetivamente estruturar uma imagem sobre qualquer parâmetro clássico pré-definido, a realização de uma fotografia esteticamente bem resolvida acaba sendo inevitável, dada minha influência do universo artístico mais tradicional. Cada um ao seu modo, nesse mesmo contexto talvez nos encontremos todos nós, fotógrafos, que treinamos nosso olhar a fim de lançar ao mundo mais uma imagem significativa, tocante, enfim. Contudo, o que diz uma “bela” foto para além de um prazer estético mais imediato? Além do fator de atração seria também a beleza um elemento dissonante em potencial? Ou, ainda, poderiam ser criados outros padrões de beleza diferentes daqueles já estabelecidos?

É certo que os incríveis avanços tecnológicos da indústria fotográfica vêm facilitando a vida dos fotógrafos, sejam eles iniciantes ou veteranos. Com as estonteantes definições e recursos das câmeras profissionais (e até das amadoras) atualmente encontradas no mercado somadas às infinitas possibilidades de edição e “ajustes” de pós-produção, convenhamos que não é muito difícil se escolher uma imagem de qualidade dentre aquelas inúmeras que nossos cartões de memória sem fim conseguem armazenar e os velozes computadores podem processar. Daí não faltam comentários elogiosos dos nossos pares quando publicamos ao mundo nossas criações nas plataformas online de compartilhamento de dados – como o Flickr, por exemplo. Mas o que percebo, em muitos casos, é um esvaziamento das possibilidades cognitivas contidas em muitas imagens. É como se o elevado grau de beleza acabasse por abafar qualquer rompante de poder simbólico de uma imagem. Ou, pelo outro lado, aquelas imagens que fogem às “regras da boa imagem” costumam ser lidas com estranhamento e repulsa pelo público ou mesmo pelo sistema no qual estamos inseridos.

Volto agora à “intenção do fotógrafo”, que abordei no início, para deixar uma reflexão neste texto em aberto e repleto de dúvidas: o que de fato queremos enquanto fotógrafos? Seria arrebatar o público com prazeres estéticos imensuráveis? Seria arrancar elogios dos nossos colegas de profissão e amantes da “boa” imagem afim de nos tornarmos respeitados? Seria produzir para nosso bel prazer e, quiçá, mostrar aos demais nossas “crias”? Seria ter uma intenção simbólica e política clara? Seria simplesmente fotografar ou seria mais que isso…?

Fonte: blog do Paraty em Foco

O Museu Secreto

2009-08-27T06:45:00.000-07:00

As fotos do “museu secreto” da National Geographic Society

O New York Times informou, em sua home page, que o “museu secreto” da National Geographic Society (mais de 11 milhões de fotos que documentam a vida do século 20 , de Uganda ao delta do Mississipi) abrirá suas portas para o “mercado de arte” — e, consequentemente, para o público. O primeiro passo acontecerá dia 17 de setembro, quando a Steven Kasher Gallery abre sua primeira exposição de fotos da National Geographic — 150 imagens antigas de uma dúzia de fotógrafos.

Enviado por Ricardo Lombardi

170 anos de história

2009-08-17T06:32:00.000-07:00

Mo Tzu

Aristóteles e o Busto de Homero - Rembrandt, 1653

Leonardo da Vinci

Hercules Florence

Foi através da fotografia que o homem encontrou uma das formas mais perfeitas e práticas para gravar e reproduzir suas manifestações culturais.

Cerca de quinhentos anos antes de Cristo, o chinês Mo Tzu já conhecia o princípio óptico da câmera escura. Mas há quem atribua a responsabilidade pelo início dos comentários esquemáticos da câmera escura ao filósofo grego Aristóteles, que viveu no quarto século antes de Cristo. Sentado embaixo de uma árvore, ele observou, em um eclipse parcial, os raios do sol projetados no chão. Quanto menor os orifícios pelos quais eles passavam entre as folhas, mais nítida era a imagem. A ignorância e a superstição na Europa fizeram com que esses acontecimentos fossem esquecidos. Por volta de 1554, Leonardo da Vinci descobriu o princípio da câmera escura, que é o seguinte: a luz refletida por um objeto projeta fielmente sua imagem no interior de uma câmera escura, se existir apenas um orifício para a entrada dos raios luminosos. Baseados neste princípio, os artistas simplificam o trabalho de copiar objetos e cenas, utilizando câmeras dos mais diversos formatos e tamanhos. Enfiavam-se dentro da própria câmera e ganhavam à imagem refletida em uma tela ou pergaminho preso na parede oposta ao orifício da caixa. Não é difícil imaginar os passos seguintes desta evolução: uma lente colocada no orifício melhorou o aproveitamento da luz; um espelho foi adaptado para rebater a imagem na tela; mecanismos foram desenvolvidos para facilitar o enquadramento do assunto. Com esses e outros aperfeiçoamento, a caixa ficou cada vez menor e o artista trabalhava já do lado de fora, tracejando a imagem protegida por um pano escuro.
O Brasil também teve participação importante na descoberta da fotografia através de Hercules Florence que inclusive passou por Sorocaba quando era desenhista na expedição do Barão de Langsdorf que começou a mapear os rios do Brasil pela cidade de Porto Feliz. Em 7 de janeiro de 1839 Louis Jacques Mandé Daguerre divulgou a criação do daguerreótipo, uma máquina capaz de fixar a imagem em menos tempo. Diminui-se o tempo, mas ainda não existia a técnica da reprodução. “Em 19 de agosto do mesmo ano, na Academia de Ciências de Paris, tornou o processo acessível ao público.”

Mario Cravo Neto

2009-08-17T06:26:00.000-07:00

Autor desconhecido. Quem souber por gentileza me diga,pois o mínimo que todos nós podemos fazer é colocar o crédito do autor.

Até breve Mario

2009-08-11T11:32:00.000-07:00

A TARDE - Segundo Caderno - 11 de Agosto de 2009

Querido Mario

Não queria mesmo estar aqui escrevendo isso, mas é a única coisa que ainda posso fazer neste momento de vazio, para ter você ainda vivo na minha memória. E, afastando as lágrimas, tento me lembrar do primeiro encontro em NY, em 1970, quando vi pela primeira vez suas imagens em preto e branco feitas naquela capital da solidão. Foi ali, você, a minha única influência na fotografia depois de Bill Brandt, e foi também a primeira vez que conhecia pessoalmente um artista múltiplo, instigante, natural. Alguém cuja especialidade e função eram uma só: criar.
A sua falta será mais terrível dia após dia, vendo em que tamanha pobreza caiu a criação fotográfica em particular, a criação em geral nesta época de falta de expressão, nesta época de propaganda e marketing. Logo você, artista inovador e completo em todas as áreas, estradas abertas ao infinito, estradas nas quais também gosto de me perder e me achar de novo. Algumas dessas que percorremos juntos, como nos sertões em 76 e em 85.
Depois foi na Boca do Rio, onde fiquei hospedado inúmeras vezes com imagens de seus personagens retratados, e meus primeiros encontros baianos. Encontros que criaram raízes em um desenraizado como eu. Mas afinal você foi o mestre também das raízes, não foi mesmo? Imagine que me ligaram para escrever um artigo sobre você agora. E por que ninguém pensou nisso antes, quando você ainda estava aqui? Afinal, sempre fomos pares ímpares. E ultimamente queria muito fazer uma outra exposição juntos, como aquela de 1988 no Palazzo Fortuny, em Veneza.
Enfim, o que dizer sobre sua obra que já não tenha sido dito de maneira mais hábil? Que foi uma das grandes inspirações que andou correndo o mundo todo, e que também construímos paralelos que muitos desconhecem? Que seu preto e branco, pelo qual você ficou mais conhecido, era somente um pedacinho de você? Que sua cor era lírica enquanto a minha era trágica? Mas que tanto uma quanto a outra iam fundo na realidade.
Na verdade, essas poucas linhas não serão suficientes para falar de sua obra absolutamente única e genial (afinal, a arte só existe, sobretudo verdadeira, pela sua individualidade, sua originalidade.
E nisso, mais uma vez, você foi insubstituível).
E, francamente, não tenho mais palavras, porque elas sempre foram insuficientes para sua obra visual. E, aqui, no áudio, fica Tutu , de Miles Davis, um dos muitos sons que você me fez conhecer.

Bjs e até breve, Miguel.

Miguel Rio Branco | Fotógrafo

Entre as veias da cidade

2009-06-10T08:21:00.000-07:00

Coletivo Punctum from Fotoclube f/508 on Vimeo.

Projeto Lambe-Lambe

2009-05-26T16:48:00.000-07:00

Dia 02 de junho, a partir das 19h30

Fotoclube F/508 + convidados:
Punctum
Sílvio Zamboni
Guy Veloso

Café Cabíria, 413 Norte

Tesão...

2009-05-19T07:53:00.000-07:00

Autumn é o oposto do próprio nome. Nada a ver com a bucólica estação em que as árvores cobrem as ruas com folhas amareladas e as pessoas começam a se esconder sob muitas roupas. Por seus ensaios ultracalientes, a loura de 24 anos mais lembra aqueles incêndios de verão que volta e meia lambem mansões cinematográficas em sua terra natal, a Califórnia: tem gente que só de ouvir “Autumn Sonnichsen” já arma um sorriso sacana.

Mas também nada a ver com a pura e simples imagem de uma câmera tarada: um conceito não se fixa exato em um retrato. Essa é das poucas verdades que a moça, celebrada por seus perturbadores cliques, faz questão de demonstrar. São 15 horas e ela acabou de fazer compras para o almoço. “Ah, odeio dar entrevistas”, diz em seu português quase perfeito, embora pontuado por trocas de gênero e um r caipira. “Bebe uma vodca?”, oferece, pegando gelo e uma Ketel One do freezer na ampla cozinha de sua casa, um belo apartamento nos Jardins. Depois do tintim, ela tenta enumerar a quantidade de lares por que passou. “Uns 20, 30”, chuta a garota de pernas bronzeadas, bermuda curtíssima e cílios muito longos.

Suas lentes já viajaram por Cairo, Berlim, Nova York, Paris, Washington, Cidade do Cabo; foi aos 16 anos que ela saiu da casa da mãe, uma professora que “fazia questão de dizer aos filhos como a gente era foda! Os meus irmãos são uns lucky bastards. Adoramos aprender coisas. Sempre tive a impressão de que faria algo muito bom, desde pequena. Achava que escreveria: era fã daquela turma de americanos em Paris nos anos 20. Ainda bem que parei, porque tudo o que escrevia era ruim!”, ri na cozinha, enquanto lava vegetais antes de colocá-los na geladeira. É fluente em espanhol, francês, alemão e arranha um árabe. “Aprender outra língua é como ser outra pessoa. Existem muitas Autumns dentro de mim”, afirma. Ela sempre sonhou em morar no Rio de Janeiro, mas, em 2005, acabou encontrando, pela internet, um apartamento para dividir em São Paulo, onde o mercado de trabalho favorecia. Hoje, mesmo superinteirada no Brasil – colabora com revistas como Tpm, Trip, Playboy, EleEla e Quem –, planeja deixar a estabilidade e largar a fotografia, como veremos.

"Aprender outra língua é como ser outra pessoa. Existem muitas Autumns dentro de mim"

Enquanto isso não rola, Autumn causa. “Eu pesquisava a sensualidade na fotografia, erotismo, porque trabalhava numa revista masculina”, conta Elizabeth Slamek, ex-diretora de arte da Trip.
“Um dia apareceu uma gringa querendo me ver, uma garota muito nova e extremamente doce com sotaque. Quando vi as fotos fiquei extasiada: era tudo o que vinha procurando. As fotos tinham paixão e eram quentes pra valer. Sim. as fotos dela dão tesão!”, justifica. E ela é obstinada: atrás do clique perfeito, não mede limite. “A gente estava clicando uma garota nua amarrada, na Paulista, depois foi pro viaduto do Chá, quando apareceu um policial”, conta seu braço direito, Jozzu. “A Autumn convidou o PM pra participar da foto, e ele acabou ajudando. Depois, a gringa cismou de fotografar a mina na frente da catedral da Sé. Apareceu o mesmo PM mais cinco, dando esporro: ‘Que putaria é essa na frente da igreja?’. Fiquei fazendo cara de paisagem enquanto a Autumn veio com essa: ‘Mas senhorrr! Non sabia que non podia! Eu serrr arrrtista”, gargalha Jozzu, abrindo a porteira do r.
WOOOOW
A arquiteta e jornalista Joana Johnsen, Trip Girl da Trip #164 e protagonista de um futuro livro de Autumn, sugere uns truques da gringa atrás da imagem (im)perfeita. “A gente viajava juntas pelo Nordeste e Norte, começamos a nos fotografar de brincadeira. Depois ela ofereceu uns retratos meus para a Trip. Surgiu por acaso”, diz. Como é seu estilo de fotografar? “Ela sente o limite da pessoa, vai fazendo com que ela queira ficar nua. É impaciente, mas sabe até onde ir, e ao mesmo tempo é persuasiva, deixa a pessoa refletir se quer isso mesmo. E sabe como tornar o transgressivo algo natural, simples, sensível. O que mais gosto nela é o fato de ser uma mulher que admira muito a beleza feminina”, define Joana.

Para Autumn, ver uma mulher maravilhosa é “como presenciar um milagre”, conta a jornalista Erica Gonsales, musa de ensaios e amiga de fé (leia box). Mas ela principalmente aprecia belezas nada óbvias e gosta de surpreender o belo em um enquadramento inusitado, em uma luz suja, um cenário estranho. Basta ver seu recente ensaio com Nana Gouvêa para Playboy, em que colocou a modelo nua no Copan no meio de 300 pessoas. Uma das características marcantes de seu estilo é a capacidade de tornar natural qualquer coisa estranha – e de trazer estranheza para algo aparentemente normal. Suas imagens têm senso de narrativa e uma estética quente que aproxima a técnica de seu berço: o instantâneo. O espectador não parece ver uma foto produzida, e sim assistir ao momento da ação. Próprio de quem curte uma espiada na fechadura: californiana que não nega as raízes, Autumn adora filme pornô. Não é o aspecto sexual que a impressiona, e sim o lado gargantuesco da coisa. “Me fascina o universo das pessoas que vendem seu corpo, que o modificam, que abusam de seus limites. Me apaixonam as coisas que são woooow, larger than life, entende? Vejo mulheres lindas e fico de cara, tipo ‘olha essa gostosa!’.”
Assunto que a tira do sério é a distinção entre erotismo e pornografia. “O que é foto erótica? Se a pessoa está meio pelada é erótica? Totalmente pelada é pornográfica? Não tenho vontade desse debate. Quero fazer fotos divertidas, que as pessoas entendam, que as deixem felizes, não discuto limites. Se quer saber o que é pornografia e o que é erotismo, sugiro esse livro” – e estende um dicionário ao repórter. Mas qual seria sua definição de pornografia? “Qualquer imagem vendida para outra pessoa bater punheta.”

E, daqui a dez anos, que pretende estar fazendo? “Não tenho vontade de seguir na fotografia profissional: esse mundo de revistas tem capacidade de ser extremamente chato”, detona. “Vou tentar terminar a faculdade de história da arte e ser professora. Antes, gostaria de fazer um filme. Num mundo perfeito faria um livro por ano e não publicaria mais nada em outros lugares. Preciso aprender árabe direito, a dirigir um carro com marcha, aprender a cozinhar na Tailândia. Quero ter cavalos. E, faz pouco tempo, fiquei pilhada em largar tudo, voltar para a Califórnia e ser parteira. Aliás, fotografar um parto deve ser incrível. Tenho que fazer isso”, desafia. Tocando no assunto intimidade. toda vez que o repórter se intromete em algum tema mais íntimo, a resposta é uma só: “It’s not of your business! Mais vodca?”. Cheers, Autumn: fotógrafo bom tem que saber mesmo onde colocar o foco.

Por Erica Gonsales

“Conheci a Autumn quando editava um site erótico e já fazia autorretratos sensuais. Nossa amizade me fez assumir o gosto pelo erotismo. Arrumei uma cúmplice. Todo mundo gosta de sexo. Mas mesmo quem se diz moderno tem pudor de assumir isso. Ela tem um jeito de fazer tudo parecer leve e natural.

Tive resistência em deixar ser fotografada. Também achava que ela era tarada. Mas insistiu tanto que conseguiu. O que me deixou à vontade foi o jeito como ela conduz: diz que você é fantástica, maravilhosa – e você acredita . Mas não é artifício pra te deixar segura, a Autumn fica realmente feliz ao ver uma mulher nua. Um fotógrafo pode ter receio de te pedir pra ficar de quatro. Ela não. É destemida. Já vi essa mulher em situações perigosas para ter a foto que quer: caminhando num telhado quente com telhas se despedaçando, subindo em muros altíssimos, sentada em janelas no 15º andar.

Na verdade, ela pode ser tarada. Mas não 24 horas. Como toda mulher, é sensível, chora em filmes de amor e ama dar presentes. É das pessoas mais generosas que conheço. Ela me deu algo precioso, que tento retribuir quando faço alguma doideira que ela me pede (como deitar no escadão da avenida Sumaré às três da tarde e mostrar a bunda pra ela fotografar). Me acho mais bonita por causa dela.”

Conheça o blog da Autumn na Trip e seu site pessoal, imperdível!

O viajante Mike Brodie

2009-04-14T07:29:00.000-07:00

Aos 18, Mike Brodie trocou os carpetes pelo asfalto e saiu de casa. Quando fez isso, ganhou uma câmera polaroid de uma amiga. Alguns anos depois, por ter feito isso, ganhou o 2008 Baum Award for Emerging American Photographers.
Seus temas são simples: a estrada e as pessoas que vivem nela. Mendigos, ciganos e mochileiros com rostos sujos, violões e pouca bagagem.
Se ele mesmo se transformou em um desses viajantes eu não sei dizer, mas o trabalho dele é sincero da forma como um road movie dificilmente consegue ser.

A linguagem fotográfica de Beto Rocha deu pano abessa para a manga

2009-04-02T18:30:00.000-07:00

O mundo da rede é mesmo enriquecedor, sabendo garimpar então, isso tudo se torna algo muito além do que podemos imaginar.Leiam abaixo o que a divulgação de uma belíssima exposição foi capaz de provocar em cabeças pensantes do meio fotográfico.Transitou entre edição nos tempos aureos do analógico, história da fotografia brasiliense chegando até o flickr.Se esbaldem com a informatite garimpada.

Exposição Fotográfica “SQSQN a cidade dos meus olhos” de Beto Rocha
na Livraria Cultura-Brasília dia 3 a 30 de abril a partir das 19hs

Fotos © Beto Rocha

O trabalho traz um olhar dialeticamente construído entre luzes e sombras, entre quadras, nas asas de um plano piloto. São traços urbanos, por demais humanos, de uma cidade jardim na pressa moderna de corações exaltados. Monumentos humanizados, espaços setorizados constituem uma fotografia na linha do horizonte, que se perde no infinito do olhar distraído, cruzando a cidade de norte a sul, de sol a céu aberto para o cerrado. Um olhar que experimenta a existência, antes mesmo da essência do existir, como um flâneur a contemplar o moto contínuo da vida na cidade. 20 fotografias de Brasília, levando em consideração o cotidiano mais banal da cidade, nas 4 escalas criadas pelo arquiteto (escalas do monumental – poder -, residencial, gregária e bucólica), onde a imagem é tomada pela luz que determina sua forma, sua concepção, através do contraste entre luzes e sombras, entre cores. Como um Impressionista.

1. Rinaldo Morelli | March 31st, 2009 | 2:37 pm | :

Beto, é um gigantesco privilégio, e responsabilidade, participar da edição de seu trabalho.
As vezes perco a objetividade entre babas que escorrem diante de algumas imagens.
Ainda faremos um livro que faça jus ao seu olhar de cronista.
Poucas imagens pretendem ser sínteses, mas seu trabalho não pode ser resumido.

abcs e parabéns
do amigo e companheiro de muita aventuras

Rinaldo
2. Adriana Paiva | March 31st, 2009 | 3:48 pm | :

Rinaldo, você é curador da expo do Beto Rocha ? Isso ? Conte mais .
Você, aliás, triscou num assunto que muito me interessa.
Lembra do que a Ana Regina Nogueira conta ao Joaquim Paiva em “Olhares Refletidos” ?
Recordo, amiúde , de uma passagem dessas entrevistas: quando ela fala sobre editar o próprio trabalho. De como o olhar dela mantinha-se contaminado pelo recém-registrado e de como ela via ser necessário esquecer os negativos no fundo da gaveta para , mais tarde, experiência “arrefecida” , ela conseguir editar o próprio material.
Todo esse preâmbulo para dizer: padeço da mesma dificuldade de Ana Regina ; não sei editar meu trabalho fotográfico. E, já pedindo perdão, se soar cabotino, sou muito mais exitosa editando o trabalho alheio .
Bem, deixo as reflexões para discussão.

Beijos
3. Adriana Paiva | March 31st, 2009 | 4:02 pm | :

Rinaldo, faltou perguntar: Você sente que “flui” melhor editando o seu trabalho fotográfico ou o trabalho de outros ?
Sua percepção é compartilhada por aqueles que você já “editou” ?
Eu creio nunca ter decepcionado os fotógrafos cujo trabalho eu tenha “editado” - termo que aplico em amplo sentido, claro, já que nunca atuei, profissionalmente, como ‘editora de fotografia’ .

Posso estender a pergunta a você, Claudix ? O que me diz ? Tem suficiente “sangue frio” , distanciamento bastante, para se auto-editar ?

Bjs
4. Wank Carmo | March 31st, 2009 | 6:44 pm | :

Concordo em parte com a amiga Adriana. Não vejo necessidade de deixar os originais por muito tempo na gaveta, para depois sacar o melhor do conjunto, mas vejo como necessidade, visitar os negativos sobre a mesa de luz, por várias vezes, num momento em que as emoções, aquela animação inicial passou. Friamente, para poder analisar melhor o que vai ser mostrado e o que vai para o lixo. Quando fazemos uma seleção radical, desimpregnando a vaidade, do nosso ego, nos sentimos na obrigação de buscar mais e mais, algo que nos emocione realmente. Uma editora de uma agência estrangeira, que andou perambulando por São Paulo à cata de fotografias fenomenais produzidas no Brasil, foi muito eficaz e rigorosa nesse ponto, quando afirmou que no seu alforje só entraria a fotografia que lhe tirasse a exepressão “Uau!” As duas fotos de Beto Rocha não tiram o folego, mas são dignas de irem para qualquer parede. “UAU!”

O trabalho que observo acima, é fruto desta garimpagem cuidadosa, onde a procupação com a qualidade falou mais alto e isto servirá de combustível nao somente para Beto, mas a todos que curtem com a alma, esses fragmentos de vida.
5. Wank Carmo | March 31st, 2009 | 6:48 pm | :

Mais: aí está, a prova da força do instante decisivo, sem “apelações contemporâneas…”
6. Adriana Paiva | March 31st, 2009 | 7:05 pm | :

Boa noite, Wank ! Obrigada por opinar .
Bem, como hoje tenho usado bastante esporadicamente minhas analógicas “Nikon” ( revelando, assim, poucos filmes) , o que tenho achado útil fazer , quando não há deadline a observar, é baixar as fotos em meu notebook, classificá-las e esquecer delas por um tempo . Deixar mesmo a experiência esfriar nos olhos e na memória. Ajuda um bocado .
7. Wank Carmo | March 31st, 2009 | 7:34 pm | :

Boa noite, Adriana!
É sempre uma honra trocar idéias nesta maloca cibernética. Aprende-se. Voce dá um descanso à mente. É mais ou menos o que falei anteriormente. Se eu faço uma foto e acho ela o máximo no moneto do click, hoje eu dou um descanso emcocional para ver se realmente aquela foto é tão legal como eu achava. Depois entra o crivo seletivo radical.
8. Rinaldo Morelli | April 1st, 2009 | 7:03 am | :

Adriana, editar é também uma obra autoral. Depositamos nosso olhar no olhar do outro e fazemos um recorte.
Talvez por isso alguns fotógrafos não gostem que outros editem seus trabalhos…
Eu também tenho dificuldade em editar meu trabalho, é uma das coisas que sinto falta dos tempo áureos do grupo Ladrões de Alma. Fazíamos edições em grupo do trabalho de cada um.
Mais do que isso, acho que uma curadoria encontraria vertentes, caminhos e leituras que o autor não tenha percebido.
É sempre muito enriquecedor.
9. Claudio Versiani | April 1st, 2009 | 7:23 am | :

Editar não é fácil, seja de quem for o trabalho. O que é interesante e didático no processo é o aprendizado com o outro. Descobrir o que o fotógrafo queria dizer e se surpreender é sempre prazeroso. Faz muito tempo eu participei de um workshop na Argentina. O grande Abbas era um dos mestres. Ele simplesmente olhava para a foto e dizia: Funciona! Não funciona! Algo parecido com o UAU do Wank.
Eu gosto muito de editar o meu trabalho, sempre. E sempre descobrir que poderia ter feito um pouco melhor e me esforçado um pouco mais, além de me chatear porque depois de velho ainda cometo erros banais, é do jogo.
Um outro olhar sobre as nossas fotos é bem vindo. Mas o que é legal mesmo é participar de uma edição coletiva. No livro Brasil 500 anos passamos 7 dias, 11 editores e milhares de fotos. Inesquecível! Enriquecedor como escreveu Rinaldo. A troca de experiência é fundamental. Por isso mesmo estamos aqui compartilhando o Beto Rocha. E para fechar, eu digo que as duas funcionam muito bem e digo vários Uaus para elas, principalmente para a primeira.
10. Wank Carmo | April 1st, 2009 | 4:41 pm | :

Falou e disse, Claudio. Me amarro numa ajuda. Não tem coisa melhor do que um olhos mais experiente em cima do trabalho da gente. Eu boto no crivo alheio numa boa.
11. Adriana Paiva | April 2nd, 2009 | 9:27 am | :

Claudio, Rinaldo, Wank,
Quero ler seus apartes com calma para responder mais tarde. Hoje, por aqui, estou mais atarefada do que o costumeiro.
Por ora, digo que assino embaixo daquele verso da música de Paulo Tatit e Arnaldo Antunes :
“O seu olhar, seu olhar melhora, melhora o meu” .

Abraços
12. Adriana Paiva | April 2nd, 2009 | 11:52 am | :

Um pedido (com jeito de anúncio):
Preciso, urgentemente, de um novo exemplar de “Olhares Refletidos”, do Joaquim Paiva . O meu (’antiguinho’) , uma edição do final dos anos 80, está perdido em algum lugar, entre minhas coisas guardadas em Sampa.
Compro usado (desde que me possa ser entregue, urgentemente, aqui, no Rio) . Por favor, ver contatos em meu site.

Obrigada
13. Adriana Paiva | April 2nd, 2009 | 12:50 pm | :

Em tempo:
Um convite a que se conheça melhor o trabalho da fotógrafa Ana Regina Nogueira — cujos depoimentos constam no livro de Joaquim Paiva ‘Olhares Refletidos - Diálogo com 25 Fotógrafos Brasileiros ‘ (Editora Ágil / Dazibao - 1989 ) : http://www.anareginanogueira.com.br/
Não é demais lembrar: Conheci o livro de Paiva (que não é meu parente) e parte da obra de Ana Regina, cursando Introd à Fotog., na UnB. História contada em minha coluna aqui.
14. Usha Velasco | April 2nd, 2009 | 1:07 pm | :

Rá rá rá, eu tenho, você não tem…
Não vendo, não troco nem dou!!! Rá rá rá rá rá….
Mas se você quiser, chuchu, te mando por sedex, depois você me devolve!
15. Adriana Paiva | April 2nd, 2009 | 1:14 pm | :

Usha, meu exemplar (velho companheiro desde unB) está perdido lá em SP — em algum canto, entre caixas e gavetas.
Adorei e agradeço a sugestão do Sedex. Juro: 2Vs.

Beijos !
16. Usha Velasco | April 2nd, 2009 | 1:39 pm | :

As edições em grupo que fizemos nos Ladrões de Alma foram uma verdadeira escola para mim. Isso aconteceu ao longo de quase vinte anos, sendo mais intensivo nos primeiros dez anos, de 1988 a 1998, quando nos reuníamos religiosamente todas as semanas (religiosamente em termos de periodicidade, bem entendido, porque em outros termos… bom, deixa pra lá).

Foi mais que uma experiência riquíssima; na verdade, foi decisivo para a minha formação, não só fotográfica mas também como designer e artista plástica. Um novo horizonte se abria para mim a cada vez que quebrávamos o pau em torno de uma mesa durante horas, com a tarefa de escolher doze ou quinze fotos num conjunto de quarenta ou cinquenta. Digo horizontes num sentido quase literal, porque nossas discussões eram sempre em cima de linguagem fotográfica.

Quais imagens estão fora do tema? Por que esta aqui está dentro e aquela ali não? Essas duas são parecidas, não podem ficar no mesmo conjunto. Tá doido? Uma não tem nada a ver com a outra! Tem sim, olha só isso, aquilo e aquilo outro. Eu prefiro a cópia mais contrastada. Eu prefiro a mais suave. Mas a contrastada enfatiza melhor o clima dramático deste ensaio. Não, a mais suave é melhor porque tem mais detalhe na sombra. Você não pode priorizar a técnica em detrimento da linguagem. Posso sim, porque a técnica também é condicionante da linguagem. Deixa de ser tecnicista! Deixa você de ser porra-louca! Essa foto é forte demais para andar junto daquela outra. Esta aqui é fraca demais para abrir o ensaio. Mas ela é linda! Também acho, mas não para abrir. Desenvolva; se você não desenvolver eu não aceito! Então vamos lá, preste atenção neste enquadramento…

E por aí íamos. Agora fazemos isso muito raramente. Morro de saudades. Mas os Ladrões me tornaram uma boa editora, modéstia às favas, como diz meu amigo Rinaldo Morelli.
17. Rinaldo Morelli | April 2nd, 2009 | 1:54 pm | :

É pena que hoje não se discuta muito linguagem fotográfica…

Beto Rocha era quem dava a disciplina Linguagem Fotográfica no saudoso Centro de Pesquisas Fotográficas do CEUB. Era um curso livre dentro do campus de uma universidade particular aqui em Brasília. Lá na década de oitenta… Muita gente boa passou e/ou nasceu por ali…

Não quero discutir quantidade de pixels. Não quero saber qual é o zoom de sua lente. Nem qual é o flash que sincrorniza, muito o menos quanto custa isso tudo!
Quero ver qual é a poesia que brota em seu sensível, que intermediada pela técnica, chega aos meu olhos, e me toca.
Não quero saber o que seu equipamento faz, quero saber o que você faz com seu equipamento.

Saudade do tempo que se discutia linguagem fotográfica…
18. Adriana Paiva | April 2nd, 2009 | 2:19 pm | :

Usha,
Como eu supunha, sua participação nessa discussão a enriquece ainda mais .
Aproximei-me de você e, depois, do Rinaldo, mas ou menos nessa fase, quando vocês estavam (febris) às voltas com os projetos dos Ladrões de Alma . Lembro como se fosse hoje. Afinal, estive presente em alguns dos eventos (vernissages/exposições) em que esses projetos ganharam corpo.

Guria, genial seu relato sobre as reuniões de cúpula dos Ladrões. E que requinte a reprodução dos diálogos ; me transportei completamente . E ri muito do embate “tecnicistas X porra-loucas” .

Beijos
19. Adriana Paiva | April 2nd, 2009 | 3:24 pm | :

Taí, Rinaldo !

E a Internet não seria um bom lugar para se discutir linguagem fotográfica ? Penso, aliás, que essa seja uma das propostas do Pictura Pixel .
Acho que os fotógrafos brasileiros fazem pouco uso dos espaços de discussão disponíveis na rede . Discussão relevante, quero dizer . Para além de temas como equipamento — ‘”ah, porque a minha [ o ] grava, faz ligações e voa, custou $$$$ e chegou outro dia da BH “… Confesso que esse tipo de “debate” sempre me deixou entediada .

O que eu noto na Internet, desde a febre que foi o Fotolog e, agora, em sites como o Flickr e congêneres, é que as pessoas que fazem fotografia, atualmente, e exibem seu “trabalho” na rede, estão afoitas por mostrar o que produzem (algo cada vez mais fácil ! ) e alucinadas por receber louros por isso. Apenas.
Tenho batido bastante nessa tecla . E o feedback mais relevante, por incrível que possa parecer, vem de não-fotógrafos. Essa indolência intelelectual no meio fotográfico, já me deixava desanimada muito antes do advento da Internet.
O que traz alento é deparar com outros inquietos, que, como vocês, aparecem aqui para discutir .
Então, meninos, o que acham de levantar mais questões ?

Beijos,
Adriana

P.S.:( Lembro, acho que, do Marcelo Lunière (Ladrões?) dando algo como um ‘curso de férias’, no CEUB . Cheguei a ter aulas com ele — creio que, no início dos anos 90) .

Isso tudo veio daqui.

Jean Manzon

2009-03-30T20:02:00.000-07:00

Jean Manzon (Paris, 2 de fevereiro de1915 — Reguengos de Monsaraz, 1 de julho de 1990) foi um fotógrafo francês radicado no Brasil que inovou o fotojornalismo brasileiro.

Começou trabalhando, na França, para as revistas Paris Match, Vu e Paris Soir.

Em 1940, mudou-se para o Rio de Janeiro fugindo da Segunda Guerra Mundial.

Trabalhou como diretor de fotografia e cinema no Departamento de Imprensa e Propaganda do governo da ditadura de Getúlio Vargas com salários bem altos. Tornou-se o fotógrafo preferido de Getúlio Vargas que adorava ver fotos suas publicadas na imprensa internacional.

Em 1943, foi trabalhar na revista "O Cruzeiro", tornando-se parceiro do jornalista David Nasser em uma das mais notáveis e polêmicas duplas jornalísticas da história da imprensa no Brasil. As reportagens que fez em parceria com com David Nasser de 1943 a 1951 foram fundamentais para o sucesso de vendas da revista "O Cruzeiro" cuja tiragem atingiu níveis inesperados para a época. Tornou-se então o mais famoso fotógrafo brasileiro do período entre as décadas de 1940 e 1970.

Inovou o fotojornalismo brasileiro, até então pouco criativo, com novos enquadramentos, "closes" extremos e ângulos bizarros que atraiam a atenção dos leitores.

Suas fotos, ao contrário do que propõe a maioria do fotojornalistas, foram, na maior parte das vezes, posadas. Tampouco tinha preocupação com a veracidade do fato fotografado. Uma vez, alguns monges recusaram-se a ser fotografados para uma matéria jornalística; Jean Manzon chamou dois amigos, vestiu-os com batas, tirou as fotos necessárias e as enviou para a redação, que as publicou como autênticas.

Tinha espírito de aventura e não tinha medo e arriscar-se visitando locais remotos e selvajens do Brasil. Foi um dos primeiros fotógrafos, junto com Henri Ballot e José Pinto, a revelar ao mundo as diversas faces dos índios do Xingu.

Não se vexava em tratar assuntos polêmicos de forma abominável. Em 1945, a dupla David Nasser e Jean Manzon publicou em "O Cruzeiro" uma matéria ilustrada na qual pretendiam ensinar aos brasileiros a distinguir um japonês de um chinês pelo "aspecto repulsivo, míope, insignificante".

Até o início dos anos 1980, era obrigatória a apresentação de documentários em todos os cinemas antes do filme principal. A partir de 1952, Jean Manzon dirigiu e produziu mais de 900 documentários, vários deles a serviço do IPES. A maior parte foi veiculada nos cinemas de todo o Brasil. Durante o período da ditadura militar de 1964, os documentários de Jean Manzon ficaram conhecidos pelos elogios exacerbados que faziam às realizações e obras do governo.

Casou-se três vezes e teve dois filhos.

AFOTO - Associação dos Fotógrafos de Brasília

2009-03-30T19:29:00.000-07:00

Foi fundada neste sábado, 28 de março, a Associação de Fotógrafos de Brasília (AFOTO). Estavam presentes cerca de cinqüenta fotógrafos, desde profissionais independentes, amadores, coletivos e fotoclubes de Brasília. A iniciativa surgiu com objetivo principal viabilizar eventos fotográficos, como o Porque eu fotografo?, e batalhar por questões referentes à regulamentação da profissão e direitos autorais.

A diretoria eleita, que exercerá um mandato de dois anos, é composta pelos seguintes fotógrafos:

Presidente: Rinaldo Morelli
Diretor Executivo: Kazuo Okubo
Diretor Financeiro: Carlos Aversa
Diretora de Comunicação: Isabela Lyrio
Diretor de Projetos: Humberto Lemos
Conselho Cultural: Arthur Monteiro, Janaína Miranda e Patrick Grosner
Conselho fiscal: José Rosa, Edgad César e Gisele Porcaro

afotobrasilia@gmail.com

Fotos: Kazuo Okubo

As tribos do Vale do Rio Omo

2009-02-23T07:45:00.000-08:00

A desolada região sul do Vale do Rio Omo na Etiópia tem várias tribos vivendo da mesma maneira há séculos, em isolamento voluntário do mundo moderno.
Recentemente, entretanto, as tribos Dassanech, Mursi, Hamar, Karo, Bume, Beshadar e outras – estão sob pressão crescente do mundo exterior. A mais recente é um projeto de barragem no Rio Omo para gerar energia hidroelétrica para a capital da Etiópia, Addis Ababa. Isso irá reduzir o rio para um quinto de seu tamanho e eliminar as planícies alagadas tão valiosas para os agricultores tribais do Vale do Omo. O governo, distante geograficamente em Addis Ababa, parece dar pouca importância à ameaça dessas culturas únicas do Vale do Omo, e os dias de existência de suas culturas intactas estão contados.
Minha viagem à região teve duas semanas de duração, começando no meio de dezembro de 2007. A proposta dessa viagem foi realizar retratos coloridos como parte de um projeto mundial sobre culturas que estão diminuindo/desaparecendo.

“As journalists we often have to find new ways to tell an old story. I believe in trying to tell that story in the most powerful way I can under the limited circumstance that time brings to any assignment. I am trying to be less concerned with who I am working for and more concerned about what I am doing with my time. This is crucial period in our history on this planet and I want to feel like I am working on issues that matter beyond the sensationalism of the 24 hour news cycle.“
Brent Stirton

Relatos de viagens no blog do Discovery Channel

New York

2009-02-22T05:59:00.000-08:00

New York 2008 from Vicente Sahuc on Vimeo.

New York em 4 minutos.

Autor: Vicente Sahuc
Música: Numb - U2
Filmado com uma câmera Casio EX-F1 (300 fps e editado em 24fps), patins e Steadicam Merlin.

O mineiro João Castilho e seus novos conceitos

2009-02-20T18:44:00.000-08:00

Paisagem. Imagem da série 'Linhas', à qual Castilho se dedica atualmente

Foto da série 'Redemunho', que deu a Castilho o Conrado Wessel

Douglas Resende

João Castilho até se assustou quando o celular tocou. Ele estava em Milho Verde, no Vale do Jequitinhonha - onde sinal de celular é coisa improvável - quando a reportagem do Magazine ligou para uma conversa sobre fotografia e os rumos de seu trabalho. "A paisagem daqui é grandiosa e tem a potência que estou buscando", justifica o fotógrafo sua viagem ao pequeno lugarejo nas cercanias de Diamantina, onde está fotografando para uma série intitulada "Linhas" e outras "experiências para futuros trabalhos, todos na paisagem". Nascido há 30 anos, em Belo Horizonte, e formado em jornalismo, João Castilho ganhou projeção pelos ensaios que se equilibram entre o realismo da fotografia documental e a subjetividade de um olhar poético e imaginativo. E, no ano passado, uma série de prêmios veio reconhecer seu trabalho. Foi eleito Fotógrafo do Ano pelo Fotosite, em votação que reúne profissionais e críticos de todo o país, e levou, pelo ensaio "Redemunho" o Conrado Wessel, maior prêmio da fotografia brasileira, faturando R$ 80 mil. Depois veio ainda o prêmio Bolsa Funarte de Estímulo à Criação Artística, que lhe rendeu mais recursos para seguir dedicando-se aos novos projetos.

Afora todos esses incentivos materiais e morais, no ano passado Castilho montou duas exposições individuais - uma na Galeria Olido, em São Paulo, e outra no espaço Oi Futuro, no Rio de Janeiro - e nove coletivas, sendo uma delas na Holanda. Antes de tudo isso, no começo do ano, havia publicado ainda o livro "Paisagem Submersa" pela Cosac Naif, junto com os fotógrafos conterrâneos Pedro Motta e Pedro David. Nos ensaios de "Paisagem Submersa" está o fundamento do estilo de Castilho. Ele e os parceiros passaram a qualificar o trabalho do livro como "documentário imaginário", depois que o termo foi usado por Chuck Samuels, diretor artístico do Mois de la Photo em Montreal, para designar aquela obra dos três fotógrafos. As imagens de "Paisagem Submersa" foram feitas entre o registro do cotidiano e a mise-en-scène criada em diálogo com o imaginário das pessoas, em municípios do Vale do Jequitinhonha que teriam parte de suas terras inundadas para a formação da represa da usina hidrelétrica de Irapé. O estilo que se reconheceu em João Castilho no seu glorioso ano de 2008 pode, no entanto, não dizer muito sobre o fotógrafo em 2009. "Eu poderia fazer outro 'Paisagem Submersa'.

Mas quis virar a página. O problema da fotografia, em geral, é essa estagnação, passar o resto da vida fazendo a mesma foto, com a mesma luz, o mesmo enquadramento, a mesma temática", afirma Castilho. Ele diz que decidiu, inclusive, abandonar o tema. "Não me interessa mais o tema, mas o conceito." E aponta o novo rumo. "O caminho são as artes plásticas e a arte contemporânea. O que os artistas têm feito com a fotografia é genial", afirma, citando o mexicano Gabriel Orozco, a francesa Sophie Calle e a mineira Rosângela Rennó. "Porque não tem fórmula, não tem regra. É muito maior do que chegar na frente de alguém e disparar a câmera. Comecei a criar pânico disso, tem um ano que não fotografo gente. Esse lado documental está se dissolvendo", revela o fotógrafo, que, sintomaticamente, iniciou um mestrado em arte contemporânea na Escola de Belas Artes da UFMG, tendo como principal referência para sua pesquisa o pensador francês Andre Rouille, autor de "A Fotografia: Entre o Documento e a Arte Contemporânea". Ainda assim, mesmo com o lado documental "se dissolvendo", o fotógrafo admite continuar se equilibrando nos dois territórios, mas de formas diferentes. "Levo certas coisas ainda. Lugares, por exemplo", diz referindo-se a Milho Verde.

Exposições em 2009

João Castilho já tem duas exposições marcadas para este ano e outras a confirmar

Individual. Em abril, no Centro Cultural Simón I. Patiño, em Santa Cruz de la Sierra, Bolívia

Acervo. Escolhido entre os cinco fotógrafos que passam a integrar o acervo do Clube de Fotografia do Museu de Arte Moderna (MAM) de São Paulo

Contemporâneo
Gosto pela literatura pauta novo ensaio

João Castilho tem trabalhado no momento na série "Linhas". São intervenções na paisagem natural com linhas de crochê, que "às vezes parece antropomórfica, às vezes uma forma gráfica". "Essas intervenções desarranjam a ordem e causam um curto-circuito na paisagem bucólica", explica Castilho, que, embora já tenha exibido fotos da série na Galeria Olido, em São Paulo, diz que o trabalho ainda não está pronto. Outro trabalho em processo ao qual o fotógrafo tem se dedicado tem a ver com o seu gosto pela literatura. Castilho pegou o hábito de colecionar edições do romance "Metamorfose", de Franz Kafka. O detalhe é que para cada uma das 11 edições que ele já garimpou existe não só uma tradução diferente como a primeira frase do romance foi traduzida de um jeito. "Comecei a fotografar essas primeiras frases, trabalhando o foco – focava só a primeira linha e desfocava o resto", diz Castilho. "Além da questão da tradução, da metamorfose do texto – o Haroldo de Campos diz que não existe tradução, mas 'transcriação' –, fica bonito visualmente. Pego a textura do papel, as manchas, a cor, que vai mudando com a luz", conta. (DR)

Fotografia
"A fotografia humanista se esgotou para mim"

Formado em jornalismo pela PUC-Minas, João Castilho iniciou-se na escola da fotografia documental. Mas neste momento demonstra certo fastio dela. Nesta entrevista, por telefone, de Milho Verde, o fotógrafo remonta sua trajetória e expõe os motivos que o inquietam e que o fizeram tomar outros rumos. Você diz que sua visão sobre a fotografia tem transmutado ultimamente. Você pode situar essa curva na sua trajetória? Há uma busca de uma aliança entre um conceito e uma forma, uma estética. Vim da escola da fotografia documental, que eu praticava no começo. Importada da Europa do entre-guerras e da Segunda Guerra Mundial, a fotografia documental foi disseminada pela agência Magnum, fundada pelo Henri Cartier-Bresson e pelo Robert Capa. E todo mundo foi parar lá uma hora – o Sebastião Salgado, o Miguel Rio Branco. Essa fotografia continua hoje poderosíssima, disseminando um modelo humanista, de olhar o outro. Mas é um modelo que se esgotou para mim. Comecei então a tentar me reeducar, me liberar um pouco desse olhar. E comecei a procurar uma aliança na arte contemporânea.

Quando eu comecei a estudar, a ver e a dialogar com a arte contemporânea, vindo da fotografia documental, a coisa começou a ficar mais interessante, a me instigar mais, a ir além e aparecer novos caminhos. Aí se localiza meu trabalho neste momento. Ele está andando e a cada ano que passa me surpreendo mais com onde estou me enfiando. "Paisagem Submersa" tem muitos retratos. Como é sua relação com a gente que fotografa, considerando o quanto é difícil lidar com a imagem de outra pessoa? No "Paisagem Submersa" tinha uma coisa bacana: a gente ficava muito tempo nos lugares e voltava muitas vezes. Fotografei poucas pessoas, porque só conseguia fotografar direito quando tinha uma interação. Não conseguia fotografar alguém que não batia o santo. E como foi um trabalho de muito tempo, entre algumas pessoas tinha uma paixão – a gente andava junto, gostava de beber, de comer junto, contar piadas, encher o saco um do outro. São dessas pessoas as fotos do livro e do site. Mas claro que é uma violência também, botar numa galeria, num livro. Agora, não dá para ficar com essa culpa o tempo inteiro porque senão você não trabalha, mas ela tem que estar lá, não dá para perdê-la de vista, senão você vira um monstro.

Tem fotógrafo de guerra que enlouquece e não consegue tirar mais a foto de uma flor. A não ser que tenha uma cabeça muito bem resolvida, tipo o Sebastião Salgado. Para você, essa fotografia é inviável hoje? Você pode continuar trabalhando, mas com uma mudança de foco e de atitude. A Sophie Ristelhueber, por exemplo, fotografa conflitos no Líbano, mas não é instantâneo, nem fotojornalismo. Ela chega três dias depois da guerra e registra o que sobrou. Tem um livro dela só de barricadas na estrada – não tem ninguém lá, mas é de uma violência. Não precisa mostrar o cara tomando um tiro. O Capa poderia chegar lá e fazer essa foto hoje. Mas nesse último conflito Israel/Palestina, foi raro ver um trabalho dentro da Palestina – todo mundo embutido no Exército de Israel, protegidinho. Hoje tem um controle violento da informação. Você vai estar sempre a serviço do lado forte. Se algum bom trabalho for feito lá, vai ser de um palestino dentro da palestina. Tem que ser feito por eles mesmos. Não tem mais por que eu ir lá. Então fico quieto em casa.

Publicado em: 07/02/2009

Os irmãos Lumière

2009-02-20T14:05:00.000-08:00

Os irmãos Lumière não foram apenas os inventores do cinema. Foram também
os inventores da fotografia colorida em 1904 (ano que a invenção foi
patenteada. mas o processo só foi comercializado no mercado em 1907. O
Instituto Lumiere na França comemorou este centenário.

Esta tecnologia chama-se 'Autochrome Lumière' e provinha de uma técnica
artesanal que misturava partículas microscópicas de batata com corantes
laranja, verde e azul (ou violeta). O pó da batata era colocado entre
dois filmes preto e branco e tudo ficava numa placa de vidro. Um pouco
de verniz e estava pronta a emulsão. O pó da batata funcionava como um
filtro colorido. Na verdade o processo era um pouco mais complicado do
que isso. Mas o mais impressionante é a qualidade que eles conseguiram
há 100 anos quando os pixels eram partículas de batata. O Autochrome
sobreviveu até 1930 quando a Kodak introduziu o seu filmcolor.

Uma injustiça quando vemos, na história da fotografia, os americanos
considerarem a Kodak como inventora.

No anexo, uma oportunidade de vocês apreciarem estas imagens que os
Lumiere fizeram há cem anos.

Reparem na composição. Uma poética exuberante, típica da belle-Epoque.
Notem a influência da pintura impressionista francesa. Alguns artistas
impressionistas como Monet foram amigos dos Lumière.

Fontes : Rinaldo Morelli e Pictura Pixel, grandes amigos.

Todos nós iremos morrer – 100 metros de existência

2009-01-31T05:01:00.001-08:00

O fotógrafo dinamarquês Simon hoegsberg passou 20 dias fotografando 178 transeuntes nas ruas de Berlin, mais precisamente na ponte de uma ferrovia em Warschauer Stresse. Apenas algumas pessoas pareciam saber que ele as fotografava.Com esse material produziu uma imagem de 78 centímetros por 100 metros.A tão falada e instigante imagem, aqui. Não deixem de conferir.

Phonesex by Phil Toledano

2009-01-30T19:18:00.000-08:00

In photographer Phil Toledano 's newest book, "Phone Sex," readers are treated to an inside look at the women and men who answer the call when some lonely (or horny) soul dials a 900 number.
Paired with sensitive, often probing portraits taken in their "home offices," Toledano collects the phone-sex workers musings on their art and industry. One rather demure-looking pro-talker recalls the customer who was turned on by the rather questionable conceit that she could raise a motorcycle over her head. Another's account of a scatologically inclined caller appears alongside an innocent snap of her with her adorable toddler. Toledano, who's past subjects have included the haunting work spaces abandoned by the crash of the dot-com boom ("Bankrupt"), says "so many of these operators are fantastic storytellers and have incredible imaginations, creating elaborate hyper-specific fantasies that genuinely turn their callers on."

posted by Gabriel Bell at coolhunting

Cronologia Lomográfica

2009-01-22T17:44:00.000-08:00

[1982] O nascimento

NAS CALMAS RUAS DE ST. PETERBURGO, RÚSSIA, COMEÇA O FENÔNOMENO DA LOMOGRAFIA!

O General Igor Petrowitsch Kornitzky, braço direito do então Ministro da Defesa e da Indústria Soviéticos, encontrou uma pequena câmera fotográfica japonesa sobre a mesa de ornamentos de seu camarada Michail Panfilowitsch Panfiloff. O Sr Panfiloff, diretor da poderosa indústria Russa de equipamentos ópticos e bélicos, examinou cuidadosamente a câmera, notando sua fina lente de vidro, extremamente sensível a luz, e seu corpo robusto. Os dois senhores, percebendo a natureza superior e o grande potencial daquele pequeno ítem, deram ordens imediatas para copiar e melhorar seu design - com o objetivo de se produzir a maior quantidade possível para o prazer a glória da população soviética. Ficou decidido: todo comunista respeitável deve possuir sua própria LOMO KOMPACT AUTOMAT.

A LC-A nasceu e logo milhões de unidades foram produzidas e vendidas. Os soviéticos e seus “amigos” vietnamitas, Cuba e a Alemanha Orienta, fotografaram alegremente durante os anos oitenta, documentando os últimos suspiros do comunismo, e ocasionalmente as férias no Mar Negro.

[1991] A descoberta

UM PUNHADO DE ESTUDANTES VIENENSES INQUIETOS PASSEIAM PELA CAPITAL NO MELHOR ESPÍRITO DO VERÃO, CURTINDO A RECÉM-ENCONTRADA DEMOCRACIA TCHECA. NESSA ÉPOCA, O TEMPO DA LC-A AO SOL CHEGAVA A CABO.

Enfraquecida pela poeira, baterias importadas da Ásia, a popularidade da LC-A comecçou a cair, e seu comércio se restringia à imaginação e a lojas fotográficas old-school. Foi num estabelecimento como esses que os estudantes vienenses encontraram a adorável câmera, e compraram algumas apenas por diversão. De volta as resplandecentes ruas de Praga, eles sacaram os primeiros rolos de filme: fotografando do alto, por entre as pernas, clicando da cintura, e até mesmo olhando através do visor.

De volta a viena, logo eles revelaram seus filmes no mais confiável supermercado da esquina (super barato!) e tiveram uma grande surpresa: milhares de pequenas, tristes, berrantes fotos da pequena viagem, imagens maravilhosamente focadas e desfocadas da vida na República Tcheca. As imagens eram incríveis, deslumbrando a todos os presentes com uma esmagadora excitação - gostos que eles nunca haviam sentido antes.

[1992-93] A Sociedade Lomográfica

SE CONTA RAPIDAMENTE TUDO O QUE ACONTECE AGORA. DEPOIS DE VER AQUELAS INCRÍVEIS FOTOS, AMIGOS, PARENTES, E ESTRANHOS NA RUA, TODOS PEDIRAM SUA PRÓPRIA LOMO!

Logo, as melhores fontes (e mais bem vigiados postos de segurança) do ex-bloco oriental estavam empregados na importação clandestina dessas pequenas maravilhas. A Sociedade Lomográfica Internacional [Lomographic Society (Lomographische Gesellschaft)] logo foi fundada em Viena, com o objetivo de espalhar a mensagem da LOMOGRAFIA pelo globo.

[1994-95] Semeie a palavra

EM 1994, A PRIMEIRA MOSTRA INTERNACIONAL DE LOMOGRAFIA É REALIZADA SIMULTANEAMENTE EM MOSCOU E EM NOVA YORK. ENORMES LOMOWALLS SÃO INSTALADAS EM CADA CIDADE, MOSTRANDO CENTENAS DE FOTOS DA OUTRA.

Muitos meses depois, a primeira Embaixada Lomográfica se estabeleceu em Berlim. um posto avançado regional para a organização de eventos lomográficos e seus membros. Assentando-se sobre esse sucesso, Embaixadas Lomográficas começaram a se espalhar pelo mundo - até o atual número de 60, por todos os continentes. O conceito de tours lomográficos também se lançou, permitindo membros intrépidos organizar expedições lomográficas a vários destinos exóticos. Para coordenar todo esse crescimento involuntário, foi criado o lomo.com, como um centro de comunicação lomográfico.

Honestamente, o crescimento foi mais espontâneo e hiperativo do que se pudesse ter planejado - uma comunidade vibrante cresceu sem limites; guiada pela insaciável sede de selvagens, vibrantes e chocantes imagens.

[1996] Para o futuro

ENQUANTO A DEMANDA POR LOMO CRESCIA PELO MUNDO, A SOCIEDADE ENCAROU UM PROBLEMA: A PLANTA DE PRODUÇÃO RUSSA ESTAVA PRESTES A FECHAR A MANUFATURA.

A fim de encontrar uma solução, nosso intrépido “Weiners” viajou rumo a verdadeira “boca do cavalo” - à fábrica LOMO de São Petersburgo. Relatando a notícia da explosão lomográfica, os membros da Sociedade convenceram com sucesso o Sr. Vladmir Putin (à época, vice prefeito de São Petersburgo) e os chefes da fábrica a recomeçar a produção da incrível LC-A, assegurando que a todos os famintos lomógrafos pelo mundo estaria garantido um abastecimento estável dessa marvilha russa de aço.

Para celebrar a ocasião, um grupo alegre de 150 lomógrafos e repórteres retornaram a São Petersburgo mais tarde no mesmo ano simplesmente pela alegria descontrolada e pelo abandono selvagem.

[1997] Lomografia online & o Congresso Mundial

LOMOGRAPHY.COM ESTÁ LANÇADO COMO A HOME BASES FORMAL PARA TODOS OS LOMÓGRAFOS ESPALHADOS PELO MUNDO.

Um imenso relançamento do nosso lomo.com, esse novo site oferece interação entre a comunidade, projetos e serviços excitantes, e um WorldArchive (Arquivo Mundial) online e interativo; e uma loja completa de produtos. Esse ano também assistiu ao Primeiro Congresso Mundial de Lomografia em Madri. Realizada no interior de uma estação de trem Atocha, que fica dentro de uma montanha, o Congresso Mundial impulsionou a maior LomoWall já criada - de mais de 120 metros de extensão, consistindo de mais de 35.000 lomografias únicas.

[1998-99] Foto-foto-foto-foto

NA PHOTOKINA, A MAIOR CONVENÇÃO FOTOGRÁFICA DO MUNDO, A SOCIEDADE LOMOGRÁFICA INTERNACIONAL LANÇA SUA NOVA CÂMERA: A ACTIONSAMPLER!

Uma incrível 4-lensed-photo-photo-photo-photo-camera (câmera de 4 lentes) que disceca um segundo em quatro partes e depois os junta novamente criando algo totalmente novo. Instantanemente, a febre de “actionsamplear” toma o mundo e lomógrafos do mundo todo estão hiperativos clicando por aí com essas caixinhas de plástico cheias de alegria.

Em outubro do mesmo ano, a comunidade lomografica se encontra na Embaixada de Nova York para a Maratona ActionSampler de duas semanas. Trabalhando com um cronograma fotográfico diário, a comunidade lomográfica corre pelas ruas selvagens de Nova York, buscando a foto vencedora do concurso mundial de ActionSampler. Depois de trabalhar, e a até festejar, duramente, a japonesa Ayako Kamura foi declarada a Princesa do “ActionSamplear”.

[2000] Deus salve a Rainha & LomOlimpíadas

NO SALONE DEL MOBILE, A GIGANTE CONVENÇÃO ANUAL DE DISGN EM MILÃO, A SOCIEDADE LOMOGRÁFICA INTERNACIONAL APRESENTA A PRIMEIRA CÂMERA A SER COMPLETAMENTE PROJETADA, DESENVOLVIDA E PATENTEADA POR UM TIME DE LOMÓGRAFOS: A SUPERSAMPLER!

A rainha de todas as câmeras multi-lentes! Uma mega-sensação repentina logo seguiu o lançamento da Supersampler - e a comunidade lomográfica começa a se queixar dos punhos excessivamente tensos do constante e urgente “supersamplear”. A nova obessessão começa! Mais tarde, no mesmo ano, começam as LomOlimpíadas. Seguindo a competição, Cecilie Owren levou para casa a medalha de ouro.

[200-01] Publicação

NA ESTRÉIA DE MUITAS PUBLICAÇÕES INTERNAS, (MOSCOU/NOVA YORK - 1995; LONO ON - 1997; THE BIG LOMO - 1997; LOMO PROJECT - 1998; LOMOVIENAGUIDE - 1999) O CATÁLOGO LOMO MARITIUS FOI PUBLICADO

Representando uma nova e excitante parceria entre Sociedade Lomográfica e Maritius, a famosa imagem de licenciamento alemã, o catálogo Lomo-Maritius tem mais de 250 arrebatantes e brilhantes páginas cheias de lomografias - de LC-As e Actonsamplers. Está quente aqui dentro ou somos só nós?

[2001] Comprando fantasias & Comprando sonhos

NO VERÃO DE 2001, NA ABERTURA DA NOVA E ESPUMANTE KUNSTHALLE (UMA GLERIA DE ARTE CONTEMPORÂNEA) NO MUSEUNSQUARTIER EM VIEN, A SOCIEDADE LOMOGRÁFICA BATIZOU SUA PRIMEIRA LOJA EM TODO O MUNDO.

[2002] Jogos lomográficos de samplear

O MAIS AMBICIOSO PROJETO LOMOGRÁFICO ATÉ ENTÃO

Lomógrafos ardentes e hardcores ao redor do globo receberam uma missão Herculana: preencher seu album de jogos lomográficos de samplear com 116 fotos - representando, entáo, sua vida e suas paixões em papel fotográfico brilhante. Mais de 500 participantes toparam o desafio - submeter milhares e milhares de fotos. Desse estimado grupo, 10 finalistas foram selecionados, e 2 Grandes Campeões foram escolhidos - Max e Django, um time de pai e filha do Reino Unido.

[2002] PoP9 & Apenas Clique

EM JUNHO DE 2002, O NASCIMENTO DA CRIANÇA DOURADA DA LOMOGRAFIA - A POP9.

Uma câmera de 9 lentes, com design adimirável e que explode seu mundo em um motim de padrões da Pop Art. A Pop9 invoca os culpados pelo vício em lomografias a se mostrarem por toda a parte em formato fotográfico.

Em meio a muito arquejo e respiração complicada, Fabian Monheim coordena o lançamento de “Don`t think, just shoot” (náo pense, clique) - a nossa mais famosa e gloriosa publicação até hoje. Publicada em conjunção com a prestiogiosa Booth-Cliborn Editions, do Reino Unido, “Just shoot” tem 378 páginas com mais de 2000 brilhantes e lindas lomografias - tiradas entre as milhões de fotos recebidas durante as LomOlimpiadas 2000 e Jogos Lomográficos de Samplear 2001.

Fonte: Confraria Lomo

Coletividade

2009-01-09T19:21:00.000-08:00

Salmito: 21:01
Monteiro: 23:58
Lyrio: 23:59
Macário: 24:00
As últimas fotos de 2008, o primeiro post de 2009!Forte abraço a todos.

Monocromia

2008-12-30T20:45:00.000-08:00

Como você concebe um trabalho?

Não tenho muita idéia de como se concebe, um trabalho vem vindo meio que como uma avalanche de idéias, que vêm do inconsciente, se misturam com outras idéias mais racionais e vou construindo e selecionando até começar o trabalho de feitura das fotos. Aí serve a sensibilidade aliada a uma certa ginástica de fazer. Algumas vezes, são projetos que surgem de pedidos de algum projeto aberto: do tipo, Miradas de fin de siglo, organizado na Espanha por Lola Garrido Almendariz. Projetos em que se chama alguém para fazer imagens de determinado lugar, porém deixando o artista totalmente livre para colocar sua marca pessoal. Para mim isso funciona como o processo de fazer uma tela mesmo. São camadas que vão sendo feitas de tentativas, reconstruções. Não feito, é como no design, no qual se tem uma idéia e vem depois a construção, que tem de ser exatamente como a idéia original. Eu acredito muito no trabalho quando ele tem uma base com um mínimo de conceito, mas no qual a própria feitura do trabalho acaba trazendo uma outra densidade. Às vezes meu trabalho nasce de uma proposta conceitual, outras vezes vem da vida e da experiência...

Quando você edita, pensa num discurso literário ou num discurso imagético?

Num discurso imagético, com poética própria. Não penso numa narrativa com começo, meio e fim. Me sinto mais identificado com essa narrativa sem uma construção linear ou literal. Penso no ritmo.

Essa sua capacidade de transitar por várias linguagens, pintura, cinema, fotografia, é uma insatisfação sua ou você acredita que uma única linguagem seja incapaz de dar conta do que você quer dizer?

Eu acho que é um prazer poder misturar essas várias maneiras de expressão. Na minha fotografia existe uma parte que é pintura, e que muitos gostam, outros acham ruim por não ser fotografia “pura”, por ser “mestiça”. Mas para mim, isso já faz parte da minha identificação. Então acredito que tenho que colocar junto as minhas várias experiências. Passeio muito bem por essas trilhas variadas. No entanto, também tenho imagens “puras” que não precisam da ajuda de outras para serem completas.

Aparentemente pode parecer caótico...

Mas acredito que eu tenho uma ordem mais ligada à música, ou musical... Um equilíbrio no limite da queda...

Pois é, a música. Ela também é importante para você...

Infelizmente não toco nenhum instrumento, talvez seja minha maior frustração, a comunicação pela música me parece a mais completa, aquela que toca as pessoas sem precisar explicar muito. No entanto acabo criando as trilhas sonoras, ou seja, usando músicas já compostas, ou então como tenho feito ultimamente, convidando músicos e criando com eles, graças a eles, as trilhas sonoras para minhas projeções e instalações. A música é algo essencial para mim, no trabalho e na vida. Teve até uma história engraçada. Em 1985, eu fiz uma exposição na galeria que a Magnum teve em Paris e um dos membros, o Dennis Stock, chegou para mim e disse: “O seu problema, Miguel, é que você está tentando fazer música com fotografia”. Mas para mim não era e não é um problema, aquilo foi um elogio.

Trechos do livro Miguel Rio Branco, de Simonetta Persichetti - Editora Lazuli e Companhia Editora Nacional – 2008.

Portfolio na Magnum

Uma conversa com o fotógrafo

Happy Xmas. Lennon's message for peace

2008-12-24T03:08:00.000-08:00

Berlin, Germany December 1969

Times Square, New York, USA December 1978

Rome, Italy December 1969

Times Square, New York December 15 1969

Veja o filme ,veja as fotos e Baixe o cartaz aqui.

Em www.imaginepeace.com

A imagem analógica é uma visualização da memória humana.

2008-12-23T08:41:00.000-08:00

David Burnett vem fotografando o mundo à mais de 40 anos. Fez a sua graduação em Ciências Políticas no Colorado College em 1968 e começou a trabalhar como freelancer para a Time e Life Magazine, primeiro em Washignton, depois em Miami e no Vietnã. Após se despedir do Life Weekly juntou-se à French Photo Agency Gamma fotografando por todo o mundo durante 2 anos.

Entretanto fundou a Contact Press Images, que já conta 30 anos no mercado, sediada em Nova York tem em seu quadro nomes consagrados como Sebastião Salgado, Annie Leibovitz, entre outros, tão importantes quanto. É conhecido por fazer qualquer tipo de trabalho e voltar sempre com aquela imagem lúdica e diferenciada.

David já cobriu oito(!) Olímpiadas e sempre se destacou por conseguir resultados diferentes seja pelo posicionamento, equipamento, ou técnica utilizadas. Em uma era onde 99% dos fotógrafos utilizam o mesmo equipamento (câmeras digitais autofoco com teleobjetivas luminosas), os resultados ficam demasiadamente parecidos e é cada vez mais difícil conseguir resultados esteticamente singulares. David é um dos fotógrafos que consegue, e para isso utiliza desde câmeras de filme 35mm como uma Leica rangefinder, Holgas de plástico com filme 120, até uma Speedgraphic 4x5 que tem no mínimo uns 40 anos de idade. Os resultados? Imagens que ninguém mais tem, com um look único, fazendo com que suas imagens sejam licenciadas em inúmeras publicações que querem algo diferente do que já foi visto em sites, jornais, e revistas.

"Em última análise, a tecnologia é apenas uma ferramenta", disse ele. "É uma ferramenta que permite que seus olhos se tornem a imagem. É fácil envolver-se com todos os gadgets e todas as tecnologias, mas a coisa mais importante é você se familiarizar com as possibilidades que estão ao seu alcance ."

Burnet em Pequim: As Olimpíadas que você não viu . (Imperdível!)
Fonte:Revista Super Interessante , The New York Times , Agência Contact Press e Blog do fotógrafo Dario Branco.

Vidas invisíveis

2008-12-19T04:14:00.000-08:00

Auristela perdeu três filhos assassinados na Muribeca, em Jaboatão dos Guararapes

A morte não causa mais espanto em um lugar com índices de homicídios de proporções continentais. Assim é possível definir Pernambuco. Com 8,5 milhões de habitantes, segundo o IBGE, o Estado teve 4.638 assassinatos em 2006. Os 25 países da União Européia, que juntos somam 459 milhões de habitantes, registraram no mesmo ano 6.697 execuções. Localizadas numa parcela específica da população, essas mortes já deixaram de chocar. De causar indignação. De exigir providências.

Reportagem realizada para o Jornal do Commercio, pelos fotógrafos Marcos Michael, Rodrigo Lôbo e Renato Spencer.

E a discussão prossegue no Pictura Pixel.

'Martírio no Presídio'

2008-12-10T03:18:00.000-08:00

O repórter-fotográfico Clóvis Miranda, do jornal "A Crítica", de Manaus, é o vencedor da edição 2008 do Prêmio Esso na Categoria Fotojornalismo.

Jonas Bendiksen

2008-11-25T05:33:00.000-08:00

Fotografo Norueguês Jonas Bendiksen fala sobre seu ensaio The places we live , segunda dia 24 de novembro, durante evento na Aperture Gallery.

Video streaming by Ustream

Pedro Martinelli

2008-11-18T03:30:00.000-08:00

Nasceu em 1/1/1950 e começou no jornalismo como fotógrafo em A Gazeta Esportiva (1967). Passou pelo Diário do Grande ABC (1968-70) e O Globo (1970-75), quando cobriu a expedição de contato dos índios Kranhacãrore (hoje chamados Panará).
Trabalhou depois em Veja (1976-83) e chefiou o Estúdio Abril (1983-94). Desde 1994, dedica-se à documentação da vida do homem da Amazônia, da qual resultou em livro.
Em 1970, quando o regime militar botou em marcha os primeiros acordes do chamado Plano de Integração Nacional e iniciou a construção de rodovias que cortariam a floresta amazônica, Pedro, então com 20 anos, foi escalado pelo jornal O Globo para cobrir a célebre expedição de "atração" dos chamados Kranhacãrore, os "índios gigantes", na rota da abertura da rodovia Cuiabá-Santarém.
Foi sua pós-graduação de mato na Amazônia, tendo Cláudio Villas Bôas como mestre!
Durante três anos, aguardou pacientemente na rede, meses a fio, o desfecho da história. Descobriu quanto custa fazer uma documentação fotográfica profunda, numa região imensa, desconhecida e onde o que dá o ritmo (ainda) é a natureza...

Seus registros memoráveis do cerco aos Kranhacãrore viriam se completar somente 25 anos mais tarde, quando reencontrou os Panará - o verdadeiro nome da tribo - e pôde documentar o seu retorno ao que sobrou do território tradicional, depois do vendaval predatório das madeireiras, das empresas agropecuárias e dos garimpos que se instalaram na região dos afluentes da margem esquerda do médio Xingu, no rastro da estrada.
A esta altura, Pedro Martinelli já havia deixado o emprego fixo e estava andando por sua conta, sem a pressão das pautas de curto prazo e o jugo dos editores, para se dedicar prioritariamente à documentação do cotidiano do homem da Amazônia.

Pedro é um fotógrafo artesanal, que só utiliza câmeras mecânicas sem adereços, tem uma aproximação profundamente humana e alegre com as pessoas e comunidades protagonistas das histórias que está aprendendo para contar.

Beto Ricardo, companheiro de viagem - Instituto Socioambiental São Gabriel da Cachoeira, AM

Palavras em imagem

2008-11-18T02:49:00.000-08:00

LIMIARES DA IMAGEM
Antônio Fatorelli e Fernanda Bruno

Neste livro sobre as imagens e seus limiares na cultura contemporânea, o leitor percorrerá o terreno instável das passagens, as dimensões intermediárias das fronteiras, recorrentes nos textos com conteúdos, formas e intensidades variadas, desde diversos pontos de vista: comunicação, filosofia, história da arte, física, psicanálise, literatura e produção estética. Limiares da Imagem investiga a natureza e o destino das imagens na atualidade, com o intuito de dimensionar algumas das singularidades da cultura contemporânea e aferir sobre os afetos e as formas atuais de experiência, em especial sobre as condições diferenciais que envolvem a criação, a observação e a crítica de imagens na contemporaneidade. Com temas instigantes e variados, os 11 artigos deste livro enfocam as mutações estéticas e éticas promovidas pela cultura digital, a partir dos anos 1970. Neste momento de transição, comparável em extensão e profundidade àquele que se sucedeu à emergência da fotografia na primeira metade do século XIX, Limiares da Imagem vem ao encontro de muitos questionamentos e suas diversas abordagens certamente despertarão o interesse de profissionais e estudantes de diferentes campos de conhecimento e produção, como a comunicação, a arte, a estética, a filosofia e a psicologia.

WALTER BENJAMIN: IMAGENS
Carlos Pernisa Jr, Fernando Furtado, Nilson Alvare

Walter Benjamin destacou que logo nos primeiros anos da invenção do Daguerreótipo já se vislumbrava a possibilidade de utilizar a técnica fotográfica com fins lucrativos. Assim, há fenômenos que atualmente se impõem avassaladores e merecem análise que vá além daquela que estuda as técnicas empregadas pelos publicitários na vulgarização dos “daguerreótipos da contemporaneidade”: o “sistema digital” na manipulação de verossimilhança(s) pela indústria cultural e os desafios que daí se sucedem como a perda da memória, a (re)produtibilidade de acontecimentos como mero valor de troca (e não como valor de uso) e os infindáveis recursos digitais que afastam o produtor do objeto numa espécie de alienação por mecanismo de telerrealidade.
A imagem em Walter Benjamin é parte de um processo de construção de linhas de pensamento. Transformada em palavra_ou até feita das próprias palavras_,a imagem torna-se integrante de uma maneira de Benjamin compreender o mundo. Ele não só pensa por meio de imagens, ele também pensa com imagens.

A MÁQUINA DE ESPERAR

Maurício Lissovsky

"A partir do momento em que a fotografia tornou-se dominantemente instantânea, para onde foi o tempo que antes era parte indissociável de sua confecção?”
Desde logo, as primeiras reflexões sobre a fotografia assinalaram sua dimensão mágica. A este respeito, dois aspectos foram costumeiramente ressaltados. O mistério da imagem latente – que fazia surgir, do nada, o mundo que a câmera havia feito desaparecer em seu interior; e o milagre da permanência – que conferia eternidade às circunstâncias efêmeras da existência. Mas nenhuma destas duas características nos fala da magia própria do instantâneo. A fotografia, depois de tirada, é o coelho já saído da cartola. Sua verdadeira magia só pode estar em algum momento anterior, quando a varinha já está erguida e estranhas forças se conjugam, no interior escuro da cartola. A partir de uma concepção imanente do instante, este livro percorre as obras de alguns dos maiores fotógrafos do século XX para encontrar, no modo como esperam, no seu passe-de-mágica, a origem dos aspectos formais de suas imagens.

London Bombings

2008-11-17T08:36:00.000-08:00

Guilhem Alandry ©

O coletivo fotográfico londrino documentography acompanhou os trágicos eventos do atentado de 7 de julho de 2006 em Londres e suas conseqüências através dos diferentes pontos de vista de seus fotógrafos: Anna Kari, Eduardo Martino e Guilhem Alandry, incluindo os desdobramentos da morte pela policia do brasileiro Jean de Menezes.

Eduardo Martino ©

Three Gorges

2008-11-12T02:37:00.000-08:00

"Minhas fotos são, principalmente, sobre contradições: a simultânea e infinita coexistência da beleza confundida com a destruição, do amor com o ódio. A interminável capacidade de contradição definiu a existência humana e é forçada no alívio total da guerra."

Peter van Agtmael é graduado em História. Passou um ano na China fotografando os efeitos sociais e ambientais da construção da Barragem Three Gorges.
Em 2005, cobriu o Tsunami na Tailândia e depois mudou para a África do Sul, trabalhando com questões de saúde na África Sub-Saariana. Desde 2006, está documentando as consequências da guerra norte-americana, em casa e no mundo.

Desde 2008, é representado pela Magnum Photos.

http://www.petervanagtmael.com/

Arrancado

2008-11-06T02:52:00.000-08:00

Uma manhã, não me lembro quando, acordei suando, o meu coração batia alarmado. Fiquei apenas com uma vaga memória.

No meu sonho, apareci vestido; eu entro e saio ao longo dessas passagens familiares. Volto à minha velha escola, o deslumbramento das luzes que emanam do cinema, a margem do rio onde eu costumava nadar, os telhados aonde eu ia para sentir uma lufada de ar fresco, os percursos sinuosos... Tudo está em trevas, não existem amigos ou parentes para serem encontrados em qualquer lugar. De onde todas estas bolhas e objetos flutuantes vêm? Torna-se difícil respirar, não consigo perceber nada, eu gritei, mas nenhum som pode ser ouvido...

Perto do final de 2005, câmera em punho, me esforcei para voltar à minha cidade natal, a fim de fotografar. Para melhor ou para pior, a minha cidade ainda não tinha sido totalmente nivelada e as pessoas ainda não tinham sido completamente deslocadas. Não obstante as inúmeras ruínas, a atividade da cidade ainda podia ser percebida. Com a construção de nova cidade, que já tinha sido concluída, tudo estava tão cativante! Eu estava muito ocupado buscando velhos amigos e conhecidos para tirar qualquer foto. No verão de 2006, viajei de barco para a Barragem de Three Gorges. Ao longo do percurso, em Zigui, Wushan, Yunyang, Fengjie e Wanxian, fotografei fragmentos das construções ribeirinhas.

Este ano voltei várias vezes. Cada vez, sentia que era uma corrida contra o tempo. Eletrizantes slogans poderiam ser lidos por toda a parte, pintados nas paredes: "Vamos derrubar meia cidade em cem dias". Eles estavam destruindo a cidade velha muito rápido, deixando uma atmosfera de morte e de decomposição em todo lugar. Ao tirar estas fotografias, tive que segurar minha respiração e, uma vez feito isso, escaparia.

Não pretendo me debruçar sobre o significado a ser encontrado na minha fotografia. O que é importante para mim é que eu vim dessa cidade. Trata-se do que temos em comum lá: nosso sotaque, nossos temperos picantes, o sinal amistoso para dizer olá quando passamos um pelo outro na rua, as ruas que viajamos junto com nossos antepassados e que nos mantêm unidos... Esta série foi criada por tudo isso. Vai ser o meu livro de memórias pessoais!

Em 2009, estará entre os últimos povoados a serem evacuados e submerso sob as águas da Barragem Three Gorges, arrancando seus habitantes de lá para sempre. Kaixian, os 1800 anos de história da minha terra, apagados.

Nasci há 36 anos.

Nesse dia, acordarei debaixo d’água.

Yang Yi

Milton Guran

2008-11-03T16:03:00.000-08:00

Rio de Janeiro, RJ, 1948

Obteve o título de mestre em Comunicação Social pela Universidade de Brasília (1991) e de doutor em Antropologia pela École des Hautes Études en Sciences Sociales, Marselha, França (1996). Repórter fotográfico desde 1973, trabalhou no Jornal de Brasília em 1978. Sócio fundador e diretor da agência ÁGIL Fotojornalismo (1980-1986), foi presidente da União dos Fotógrafos de Brasília (1980-1982) e secretário da Federação Nacional dos Jornalistas (1980-1983). Trabalhou como fotógrafo do Museu do Índio/Funai, Rio de Janeiro, de 1986 a 1989. Recebeu a Bolsa Vitae de Artes/Fotografia (1990) o X Prêmio Marc Ferrez da FUNARTE (1998) e o Prêmio Pierre Verger da Associação Brasileira de Antropologia (Prêmio Especial do Júri - 2002). Dedicado ao estudo da utilização da fotografia como instrumento de pesquisa em Ciências Sociais, é Coordenador-geral do FotoRio – Encontro Internacional de Fotografia do Rio de Janeiro.

No Pará

2008-11-03T03:31:00.000-08:00

Fotos: Paula Sampaio

Die Vier Hoeke

2008-10-29T03:40:00.000-07:00

"Comenta-se que ninguém de fato conhece uma nação até que se veja numa de suas prisões. Uma nação não deveria ser julgada pela forma que trata seus mais ilustres cidadãos, mas como trata os seus mais simplórios."
Nelson Mandela

Fotos de Mikhael Subotzky
http://www.imagesby.com/

Carnival Strippers

2008-10-28T04:27:00.000-07:00

Susan Meiselas

A história atrás de uma foto

2008-10-26T11:22:00.000-07:00

Rio de Janeiro, Setembro de 1968. Câmera Nikon, 35mm, filme Ektacrome.

UM SANTO ENTERNECIDO

Era, mais uma saída, daquelas que qualquer fotógrafo que trabalha na imprensa em geral, seja em jornal ou revista, agradaria fazer, principamente por tratar-se de um autor forjado no seio do povo brasileiro e, por isso mesmo, lapidado nos quintais iluminado dos subúrbios carioca, naqueles tempos em que esses recantos emoldurariam para sempre um memorial livre, solto e feliz na criança que se transformasse mais tarde em adulto.
Uma saída, por si só, mágica. Seu personagem maior atendia pelo nome de Pixinguinha, um gênio da musicalidade pátria, o Alfredo da Rocha Vianna Júnior, conhecido assim na pia batismal. Compositor, maestro, instrumentista, professor, formador de importantes conjuntos e orquestras, que compôs para filmes e revistas, e tambem música litúrgica, um inovador em cada época e um santo constantemente enternecido com a geração que acredita num som brasileiro e universal.
Eu trabalhava, então, na revista Manchete, de Bloch Editores, semanário florido de fotos e pouco texto, que (dizem!...) fazia a festa nos consultórios médicos, enquanto seus pacientes, aguardando seu encontro clínico, folheavam sem muita saída, suas páginas repletas de signos e informações ligeiras sem consistências. Eu e Muniz Sodré, solerte repórter que começava sua carreira de escriba e, que, se não me engano fazia naquela saída o seu "debut", indo comigo entrevistar "aquele que pra morrer, foi pedir benção a seu santo", segundo o poeta e também compositor, Hermínio Bello de Carvalho.
E, chegando à sua casa, em Ramos, numa rua com o seu próprio nome, entreguei o mestre Pixinguinha ao Muniz, e os dois, na sala do músico, puderam, então, remexerem-se na entrevista, solitariamente. Afastando-me, percebi os acenos descontraídos da residência. Lá estava um quintal cimentado, entubado por uma vistosa mangueira, vitoriosa e soberana, a enfunar-se galhardamente em seu vertiginoso crescimento, folheada de verde, ostentando alguns frutos tímidos que cresciam esperando dezembro chegar.
Era início de setembro e a propalada primavera já se anunciava, com seus dias de sol agradável pregado no azul de um céu sem nuvens. Havia, plantadas aos pés da mangueira, dálias e rosas, salpicando dessa forma, um lirismo impressionista, cujos matizes frios e quentes, pincelavam certa quietude anunciando que a felicidade estava ali e, que Pixinguinha se emolduraria muito bem plantado naquele recanto de ordem e paz.
E, assim, uma hora depois de terminada a conversa entre o repórter e o maestro no interior da casa, convidei Pixinguinha a sentar-se em sua cadeira de balanço no meio do quintal mágico, segurando o saxofone, divisando hipoteticamente uma linha do horizonte, tocando com os olhos o silêncio de um choro ausente, mas, comovido. Lembro-me, que fiz, num raio de 160 graus, um filme de 36 poses em dois a três minutos, um delírio! Colírio para a história cultural brasileira, certeza que consagrava definitivamente, sob minhas lentes, aquele que há muito tempo já era uma lenda nacional.

Comentários:
A fotografia é histórica por tratar-se de um gênio musical brasileiro.
A foto se manterá indelevelmente histórica pelo apreço e unanimidade pessoal em que as pessoas tem este autor musical.
Sou um homem de projetos pessoais e, mesmo no tempo que trabalhei em jornal e revistas, fui um declarado criador, manipulando e criando atmosferas, sustentando que a verdade jornalística, enquanto notícias, pode ter alguns lados de verdade, não somente a verdade objetiva. Na verdade, fui um criador de alegorias.

Walter Firmo

A vida de Carmen

2008-10-25T11:42:00.001-07:00

Entre seu sorriso envergonhado e a secreta curiosidade pelo motivo de meu interesse, ela me conta em tom de confissão que seus únicos luxos são o batom e o esmalte. Depois ri de si mesma, caso eu a estranhe ou a considere tola. Na verdade, minha opinião é outra. Frente a sua força, eu me envergonho de minhas fraquezas e me pego perplexa diante da felicidade com que caminha.

Carmem, aos seus 44 anos, não é exceção às estatísticas que expressam o aumento das mulheres que assumem o emprego de doméstica.

Fotos de Gui Galembeck
Texto de Tatiana Ribeiro

Em Punctum

Plaqueiros - resquícios e histórias paulistanas

2008-10-23T12:27:00.000-07:00

Como paulistano tenho uma relação de amor e ódio com o centro de São Paulo. Decadente e fascinante. Seus prédios antigos, de uma arquitetura rebuscada mostram a beleza de uma época que passou. Impressiona o verdadeiro formigueiro humano que circula pelos seus calçadões todos os dias em busca de emprego, indo às compras em lojas populares, os vendedores ambulantes que enfestam a região em meio aos mendigos estirados no chão, enrolados em cobertores imundos. Neste cenário caótico, triste e impressionante, quase invisíveis se misturando à paisagem cinzenta e às pessoas apressadas, estão os plaqueiros...

Ensaio de Zé Carlos Barretta em Punctum.

Joseph Koudelka

2008-10-17T10:31:00.000-07:00

Entrevistado por Melissa Harris para Aperture , Joseph Koudelka fala sobre sua trajetória e sobre o recém Lançado livro Invasion 68 .

...Em 1968, eu não sabia nada sobre fotojornalismo. Eu nunca tinha visto a Life, eu nuca tinha visto Paris Match. Quando fotografei a invasão soviética, eu fiz para mim mesmo. Eu não pensei em um ensaio fotográfico ou em uma publicação.( Joseph Koudelka)

...Estas podem ter sido situações de perigo, mas eu não as senti. Para mim, as pessoas com a real coragem eram aqueles sete russos em Moscow- os únicos de milhões – que protestaram aquela semana na Red Square contra a invasão, sabendo que eles poderiam ser aprisionados... ( Joseph Koudelka)

...A boa foto é aquela que entra no seu pensamento e você não consegue esquecer. Muitos dos meus livros foram compostos deste jeito. O conceito deste livro é diferente. Quando começamos a colocar as fotos na estrutura que determinamos, o livro começou a se cristalizar.... ( Joseph Koudelka)

Além do relato impressionante de quem viveu as mais radicais situações de sua vida durante aqueles 7 dias. Koudelka transmite com sabedoria a sua visão sobre o pensar fotográfico, respeitando a essência de cada tema e suas particularidades. O que se traduz na sua repulsa à repetição onde, ao descobrir uma fórmula, o fotografo transforma aquilo em um hábito e acaba virando prisioneiro das suas próprias regras.

Rubro JK

2008-10-17T05:19:00.001-07:00

Isabela Lyrio

Estudo de Música I e II

2008-10-13T07:29:00.001-07:00

LEI Nº 11.769, DE 18 DE AGOSTO DE 2008: o ensino de música é obrigatório em todas as escolas de ensino básico.

Isabela Lyrio

XDR-TB

2008-10-13T07:13:00.000-07:00

XDRTB.org é um extraordinário esforço para contar a história de uma tuberculose extremamente fármaco-resistente (XDR-TB) e da tuberculose através de fotografias feitas por James Nachtwey. XDR-TB, ou tuberculose extremamente fármaco-resistente, é uma nova e mortal mutação da tuberculose. Similar na criação à tuberculose multi-resistente (MDR-TB), mas mais extrema nas suas manifestações, surge quando a tuberculose comum não é tratada ou as drogas são mal utilizadas. As fotografias de James Nachtwey representam essas diferentes variações.
James Nachtwey vem registrando a guerra e histórias sobre direitos humanos há 30 anos, viajando desde a Irlanda do Norte ao Iraque, de orfanatos da Romênia às mortais terras do Sudão. Ele sabe o poder da fotografia para sensibilizar e fazer uma verdadeira mudança. Em 2007, foi premiado com o Prêmio TED, que vem com US$ 100.000 e um desejo de mudar o mundo.
Estas fotografias e este projeto são seu desejo.

XDR-TB.org
http://www.xdrtb.org
Saiba mais sobre a tuberculose, MDR-TB e XDR-TB, e aprenda como é possível tomar medidas para acabar com esta doença mortal.

É a determinação que faz o fotógrafo...

2008-09-22T09:59:00.000-07:00

Durante workshop no Paraty em foco 2008, Alex Majoli, primeiro usando como exemplo os seus vários ensaios, mostrou a importância de conferir a sua própria identidade à fotografia. O que não se traduz simplesmente na forma com que se fotografa, no estilo ou na linguagem e sim no que você deixa de si em cada trabalho, personagem ou situação. Mesmo quando se está fotografando para uma revista é importante deixar impressa a sua visão de mundo.

“Quero ser o protagonista e não um voyeur..” (Alex Majoli)

O mais interessante para quem assistiu não era exatamente o conteúdo do discurso do Alex , tudo que ele disse é muito simples, era como ele realmente pratica e incorpora de forma coerente o que fala.

Mesmo nas situações mais comuns, onde pensaríamos impossível desenvolver um trabalho relevante, ele consegue exemplos de fotógrafos que conseguiram em sua vida transcender esta barreira usando uma maneira pessoal de se fotografar, sempre com determinação.

Malick Sidibe
Ele tinha um pequeno estúdio no meio da África, em Mali. Cada dia ele fazia o mesmo trabalho que qualquer fotógrafo que viva de fotografia faz – um pouco de tudo. Só que ele fazia da maneira pessoal. Fotografava a gente de sua vila sempre no seu estúdio. Muito Simples. Era chamado para fazer fotos de festas dos amigos..."Quando se coloca todas as fotos juntas, todos os anos que ele fotografou, as fotos com legenda e um conceito..." É a determinação que faz o fotógrafo e não o que ele fotografa.

Bernd and Hilla Becher
Eles se encontraram na escola de Düsseldorf na Alemanha e mais tarde foram mestres de Andréa Gursky, Thomas Ruff e Cândida Höfer. Durante vários anos, faziam todos os dias a documentação de todas as caixas d’água, moinhos e edificações similares da Alemanha e mais tarde de outros paises, sempre da mesma maneira, com uma câmera médio formato. Quando eles fizeram este trabalho não pensavam em ser os "mais importantes fotógrafos da arte contemporânea", eles simplesmente iam lá e faziam. Não era uma questão de capacidade e sim de determinação. Eles fizeram o mesmo trabalho durante vários anos em 5 paises diferentes. É como um trabalho de arte. É uma questão de determinação.

Shirin Neshat
Ela é um exemplo, dentro da explanação de Alex, de como se estruturar um trabalho de arte dentro da fotografia. Neshat conseguiu com o seu trabalho estabelecer um olhar político, social e pisicológico sobre a experiência feminina contemporânea na sociedade Islâmica.

Fotos: Armando Salmito
Texto e adaptação livre: Henry Macário

Sobre o flash e a fotografia...

2008-09-03T14:29:00.001-07:00

Robert Capa e John Steinbeck estavam na União Soviética pela primeira vez, quando em um vilarejo chamado Chevtchenko assistem a uma peça de teatro...

"“O tratorista havia acabado de dar quatro ou cinco passos no palco, e a história havia apenas começado, quando Capa acionou seus flashes para fazer a primeira foto. Isso interrompeu de imediato o desenrolar da peça. A garota de unhas pintadas escondeu-se atrás de umas samambaias e não voltou a mostrar a cara durante todo o resto da cena. O tratorista esqueceu o texto. A líder de brigada tropeçou e tentou em vão salvar a apresentação. O restante da peça foi representado como um eco, com os atores repetindo as falas sussurradas pelo ponto, de modo que se ouvia tudo em duplicata. E toda vez que estavam prestes a se recompor, Capa disparava seus flashes e os deixava desconcertados. (…) A natureza irresponsável da moça decadente era simbolizada tanto pelo esmalte vermelho das unhas como por um colar de contas de vidro e bijuterias vistosas. E o espoucar dos flashes a deixou tão nervosa que ela rompeu o colar e as contas espalharam-se por todo o palco. Foi aí que a peça desandou de uma vez por todas.”
“O público adorou. E aplaudia entusiasticamente toda vez que havia um disparo de flash.”

John Steinbeck
Retirada do Livro Um Diário Russo
Cosac Naify- 2003

Leia também: Rever: Estudos em fotografia

Fotografar a realidade é fotografar o nada.

2008-08-30T03:09:00.000-07:00

(...) que idiota fui eu ao acreditar que seria tão fácil. Eu confundi as aparências de automóveis, árvores e pessoas com realidade e acreditei que uma fotografia dessas aparências seria necessariamente uma fotografia delas. É uma verdade melancólica o fato de que eu nunca serei capaz de fotografar as coisas da realidade e, portanto, só poderei falhar. Eu sou um reflexo fotografando outros reflexos com seus reflexos... Fotografar a realidade é fotografar o nada.
Duane Michals

O homem invisivel

2008-08-23T04:51:00.000-07:00

O fotógrafo Henri Cartier-Bresson, um dos grandes mestres da fotografia, completaria cem anos se estivesse vivo.

Bresson nasceu em 22 de agosto de 1908 em Chanteloup, no departamento de Seine-et-Marne, apesar de ter sido concebido em Palermo, na Sicília, segundo biografia da Fundação Henri Cartier Bresson.
Desde muito cedo, o francês se interessou por artes, em especial pintura e certos aspectos do surrealismo. Ele estudou a arte com André Lhote.
Em 1931, Bresson tirou suas primeiras fotografias durante o período de um ano que viveu na Etiópia. Depois, retornou à Europa e expôs em Madri, Espanha, e em Nova York, nos Estados Unidos.
Bresson viaja ao México em 1933 em uma missão etnográfica. Depois ele viaja para os Estados Unidos e ingressa também no cinema.
Durante a Segunda Guerra Mundial (1939-1945), Bresson foi preso pelos nazistas e participou da Resistência Francesa. Depois da guerra, o fotógrafo passou cerca de um ano nos Estados Unidos e, após este período, fundou com Robert Capa, David Seymour, William Vandivert e George Rodger a agência Magnum em 1947.
Em seguida, ele fotografou eventos como a morte de Gandhi, a China nos útimos meses do Kuomitang, o início da República Popular da China e a luta pela independência na Indonésia.
Bresson voltou à Europa em 1952, já reconhecido. Mas, não ficou por muito tempo sem viajar. Ele foi à Índia, China, Japão e União Soviética nos anos seguintes. Depois de 1974, ele se concentrou em desenhar e expor seus trabalhos.
Em 2000, estabeleceu a fundação que leva seu nome. O fotógrafo morreu em 2 de agosto de 2004, em Montjustin, em Provença, na França

Fonte: Folha Online
fotos: Henri Cartier-Bresson

"A distância mais longa é entre a cabeça e o coração"

2008-08-22T09:34:00.001-07:00

Rua Sergipe - Belo Horizonte
20 de Agosto de 2008
Foto: Armando Salmito

Pequim

2008-08-20T07:01:00.000-07:00

A cidade é a mais fotografada do momento.
Leandro Taques e Hedeson Alves são dois brasileiros que encontrei numa rua cheia de barzinhos e estrangeiros. De longe, duas câmeras e duas bandeiras do Brasil...
O Leandro tem um blog massa...
http://blogdotaques.blogspot.com/
fotos: Leandro Taques

Para que serve uma foto?

2008-08-14T07:44:00.001-07:00

Faz as pessoas felizes, pelo menos por algum intervalo de tempo.

São Luís - MA
Armando Salmito

Ação e Reflexão

2008-08-13T06:08:00.000-07:00

A multifacetada produção atual de fotografias coloca em segundo plano a reflexão sobre a qualidade e diversas outras questões sobre o fazer fotográfico. Para motivar essa reflexão, um grupo de 40 fotógrafos realiza o projeto Por que eu fotografo?, que inicia com uma exposição, um debate interativo e uma intervenção urbana. São 46 fotografias acompanhadas de pequenos textos que respondem à pergunta: Por que eu fotografo? Veja as fotos e participe do debate, que é aberto a todos, profissionais, amadores e interessados.

Fotógrafos participantes:

Alain Barki
Alan Marques
Alan Santos
Alessandro Souza
Antonio Antunes
Armando Salmito
Arthur Monteiro
Breno Fortes
Carlos Aversa
Claudio Versiani
Duda Bentes
Ed Ferreira
Eraldo Peres
Fernando Croitor
Hélio Rocha
Henry Macario
Isabela Lyrio
Jefferson Rudy
Jorge Diehl
José Rosa
Josemar Gonçalves
Kazuo Okubo
Leonardo Amaral
Lourenço Cardoso
Luis Tajes
Luísa Molina
Miguel Angelo
Patrick Grosner
Ricardo Padue
Ricardo Reis
Rinaldo Morelli
Roberto Castello
Roberto Castro
Rose May Carneiro
Sérgio Fonseca
Susana Dobal
Usha Velasco
Wládia Drummond
Zuleika de Souza

Sócrates

2008-08-12T10:46:00.000-07:00

A cegueira é a perda do olho da mente.

Todo mundo precisa de um céu azul

2008-08-12T10:43:00.001-07:00

Não é o céu de Brasília, mas para a Beijing super poluída, foi um alívio para os pulmões e os olhos.
A polícia, como sempre, não tira o olho...

O fotógrafo

2008-08-11T10:37:00.000-07:00

Difícil fotografar o silêncio.
Entretanto tentei. Eu conto:
Madrugada minha aldeia estava morta
Não se ouvia um barulho, ninguém passava entre as casas.
Eu estava saindo de uma festa. Eram quase quatro da manhã.
Ia o Silêncio pela rua carregando um bêbado.
Preparei minha máquina.
O Silêncio era um carregador?
Estava carregando o bêbado.
Fotografei esse carregador
Tive outras visões naquela madrugada.
Preparei minha máquina de novo.
Tinha um perfume de jasmim no beiral de um sobrado.
Fotografei o perfume.
Vi uma lesma pregada na existência mais do que na pedra.
Fotografei a existência dela.
Vi ainda um azul-perdão no olho de um mendigo.
Fotografei o perdão.
Pilhei uma paisagem velha a desabar sobre uma paisagem.
Fotografei o sobre.
Foi difícil fotografar o sobre.
Por fim eu enxerguei a Nuvem de calça.
Representou para mim que ela andava na aldeia de braços com Maiakovski – seu criador.
Fotografei a Nuvem de calça e o poeta.
Nenhum outro poeta no mundo faria uma roupa mais justa para cobrir a sua noiva.

A foto saiu legal.

Manoel de Barros

A simplicidade de Popó

2008-08-07T05:46:00.000-07:00

Edson Porto, conhecido no meio fotográfico como Popó, iniciou-se na fotografia trabalhando com audiovisual e posteriormente, com fotografia publicitária e foto-arte. Sua carreira floresceu quando se especializou em "meio-tom", revelando fotos de fotógrafos internacionalmente conhecidos como Pierre Verger e Walter Firmo. Atualmente, além de coordenar um dos principais laboratórios de Salvador na Casa da Photographia, vem desenvolvendo projetos autorais como, por exemplo "Detalhes da Ilha", "Nos Trilhos de Carajás" e "Vista dos Ilhéus", onde fotografa regiões do Norte do Brasil e do Sul da Bahia.

A convite de Armando Salmito apresentou seu trabalho para publicação em PUNCTUM, cópias belíssimas e trabalhadas por um raro especialista. Popó emprestou todas para digitalização em Brasília, atitude simples e comovente de um autor que trata a fotografia com a simplicidade de quem ama o trabalho e também de quem já viu muita coisa.

PUNCTUM agradece aos colegas fotógrafos Jutey da Cruz, Freitas Filho e Felix Gan de Salvador , João Nílton (Cidadão do Mundo) e Albert Ambelakiotis de brasília pela vivência enriquecedora.

O mestre ainda disse no final: "Digital é fotografia de mentira!" e ao ver uma leica M8 : "É... mas essa aí não é de mentira não."

Vivendo imagens

2008-08-05T04:49:00.001-07:00

Rinaldo Morelli - Azul

Usha Velasco - Uma outra Brasília

Henry Macário - O caminho de Cuba

Armando Salmito - Salvador

Claudio Versiani - Bsb 07

Isabela Lyrio - China

Arthur Monteiro - Restaurador de molduras - Bahia

A Projeção

2008-07-31T03:45:00.000-07:00

Da esquerda para a direita, em pé: Arthur Monteiro,Beto Rocha e Rinaldo Morelli.
Em baixo: Armando Salmito, Claudinha, Maia Macário, Usha Velasco e Alessandro, e em primeiríssimo plano o anfitrião Henry Macário.

Fiquei empolgada ao ser convidada para uma projeção de fotografias com o Punctum. Esse é um programa muito gostoso: ver, comentar, ouvir as histórias das fotos, dar e receber retornos sobre essas nossas coleções de figurinhas.

Começamos com um banho de realidade aplicado por Arthur Monteiro: uma seleção do seu trabalho fotojornalístico na Tribuna do Brasil. Com direito a mortos estendidos no chão e tudo. Visões da periferia de Brasília, cenas das quais a maioria de nós passa distante. E belos retratos também, como não poderia deixar de ser.

Depois, Armando Salmito mostrou imagens (e músicas) de São Luís do Maranhão. Lindas fotos noturnas, lindas cores na festa do boi. Fiquei até com inveja, sempre quis ir lá. Viajar é bom demais... E voltar pra casa com fotos assim não tem preço.

Rinaldo Morelli mostrou um pouco de seu multifacetado trabalho. Festa do Reinado em Araújos (MG). Grafismos azuis e amarelos, com interferências digitais. Seqüências, um ensaio em andamento. Mais grafismos (é a especialidade da casa), dessa vez em cores variadas. E pequenos vídeos que ele tem montado com fotografias, o último dos quais nos matou de rir. Não dá pra explicar. Só vendo.

Em seguida foi a minha vez; mostrei uma edição de fotos em preto e branco, uma coisa meio soturna que tenho feito devagarzinho, com detalhes de lugares pouco nobres de Brasília.

Depois Beto Rocha nos deixou boquiabertos com sua belíssimas imagens da cidade, todas com aquela marca especial que ele imprime em suas fotos, resultado dos olhos especiais que Deus lhe deu. De quebra, ainda mostrou um trabalho bem gráfico, que lembra HQ, e que ele pretende veicular em gravuras e em camisetas.

Para encerrar, nosso anfitrião Henry Macario mostrou as figurinhas que trouxe de Cuba. Só coisa linda. Um país interessante, um povo interessante, cenários maravilhosos (aqueles carrões dos anos 50, aquelas fachadas em ruínas...) E a Claudinha contou as histórias da viagem, além de nos oferecer deliciosos morritos, drinks cubanos com rum e limão.

Bom demais, gente. Obrigada, e me convidem de novo na próxima vez...

Relato de Usha Velasco.

Duelo entre amigos

2008-07-24T09:36:00.000-07:00

Fotos: Usha Velasco

Arte lúdica e leve

2008-07-19T09:23:00.000-07:00

No dia 2 de julho Brasília comemorou os 90 anos de Athos Bulcão e em XX de agosto comemorará meio século de convivência com o artista.Nascido no Rio de Janeiro, Athos veio para cá em 1958, a convite de Oscar Niemeyer, para colocar sua marca na capital em construção.
Desde então, a obra de Athos se fundiu à cidade.Sua arte não se restringe aos freqüentadores de museus e galerias.Está à vista de todos os freqüentadores de museus e galerias, ao alcance de quem anda pela rua à pé, de carro, de ônibus.Alguns exemplos são a Igrejinha Nossa Senhora de Fátima, na 307/308 Sul; a fachada do Teatro Nacional; o colorido muro do hospital Sarah Kubitscheck, no Setor Comercial Sul; e os inúmeros painéis de azulejo espalhados pela cidade, em prédios de apartamentos, nas escolas-classe, em edifícios públicos e particulares.
Ver as obras de Athos faz parte dos privilégios de morar em Brasília.Elas foram feitas para conviver com a população.Expostas na rua, ajudam a educar o olhar; abrem espaço na nossa mente para a beleza, a harmonia, a integração dos opostos.Sua arte é lúdica e leve.Diz a lenda que ele desenhou os cubos da fachada do Teatro Nacional do tamanho certo para uma pessoa subir.Dizem também que, aos pedreiros que perguntavam de que forma instalar seus azulejos de desenhos abstratos, ele respondia: “ Do jeito que você quiser, meu filho.É para brincar.”

Arthur Monteiro

Retratos do Vale

2008-07-17T14:22:00.001-07:00

Uma comunidade religiosa de base espírita que foi fundada segundo as visões de uma mulher, Tia Neiva, , falecida há 21 anos, e que conta com uma clientela de milhares de adeptos e que já se expandiu por vários estados do país.Tia Neiva munida de imaginação religiosa fora do comum, obteve revelações em sua maioria derivadas do grande imaginário afro-brasileiro, do espiritismo e também do catolicismo popular.

José Jorge de Carvalho
Antrópólogo

Arthur Monteiro
Fotógrafo

O ensaio completo pode ser visto no Olho de Águia, espaço virtual do excelente fotógrafo e amigo Ivaldo Cavalcante.

Abram seus olhos

2008-07-15T07:16:00.000-07:00

A natureza não é infinita, devemos usar seus recursos nos impondo limites, sempre.Reaproveitar o que o homem cria e a partir deles, não produzir mais lixo do que o planeta pode suportar, é possível e desejável, podendo resultar em algo surpreendente e instigante.

Mais questionamentos ambientais, tendo a fotografia como suporte em: sambaphoto

Arthur Monteiro

A China de Marc Riboud

2008-07-15T07:10:00.000-07:00

Fotos: Marc Riboud

E se essa China nao for suficiente, mais no Magnum in Motion
http://inmotion.magnumphotos.com/essay/flipbookchina

A China de Wang Gangfeng

2008-07-15T06:55:00.000-07:00

Fotos: Wang Gangfeng

http://www.gangofone.com.cn/

Móbile

2008-07-13T10:52:00.000-07:00

Local: Galeria Rubem Valentim - Espaço Cultural Renato Russo - 508 Sul - Asa Sul
Data: Diariamente, das 9h às 21h
Entrada Franca
De: 08/07/2008
Até: 08/08/2008

Jóias do acervo do são expostas no Espaço Renato Russo (508 Sul)
Um tesouro de imagens de valor incalculável espalha-se hoje pelo Espaço Cultural Renato Russo (508 Sul). São obras de criadores representativos da história da fotografia brasileira. Nomes como Mario Cravo Neto, Pierre Verger, Claudia Andujar, Miguel Rio Branco, Arthur Omar, Rosângela Rennó e Cristiano Nascaro ocupam a Galeria Rubem Valentim. "O Museu de Arte de Brasília (MAB) possui acervo representativo de grandes nomes. Muitos desses trabalhos não flertam apenas com a linguagem documental, mas também com experimentos A idéia é criar um diálogo entre essas duas tendências", destaca Bené Fontelles, que divide a curadoria da exposição A Fotografia no Acervo do MAB, com André Santangelo.

A mostra traz mais de 40 trabalhos em proposta, que faz parte do projeto MABmóbile, que já realizou mais de 14 exposições em Brasília, só com o acervo da instituição. "A fotografia nos dias atuais está bem representada, no limiar de sua expressão. O experimentalismo na área foi intenso nos últimos anos no exterior, repercutindo de forma considerável por aqui", comenta Bené Fonteles.

A exposição ganha destaque na Galeria Rubem Valentim, com visitação diária das 9h às 21h, até o dia 8 de agosto. O foco são as obras que têm íntima relação com o corpo humano. Segundo os curadores, a escolha foi meramente casual. "Quando a gente começou a selecionar as fotos, havia uma tendência para os trabalhos centrados em corpos, acho que era um tema recorrente entre os fotógrafos dessa época, já que não temos muitas fotos de paisagem", revela Fonteles. "De qualquer forma, a exposição estende a proposta do MABmóbile, que é dar visibilidade ao acervo do Museu de Arte de Brasília", ressalta.

Mais de 100 trabalhos iconográficos compõem o acervo do Museu de Arte de Brasília. O valor material desses trabalhos também desperta atenção. "Algumas obras custam uma fortuna, são bem valorizadas no mercado de fotografias", revela. Entre as obras apresentadas em A Fotografia no Acervo do MAB, merecem destaques os trabalhos do baiano Mario Cravo Neto e da suíça naturalizada brasileira Claudia Andujar. Formado pela Art Student League, sob orientação do artista plástico Jack Krueger (um dos precursores da arte conceitual), Cravo Neto especializou-se em técnica que consiste na interferência direta com o objeto fotografo. É de sua autoria um dos trabalhos mais impactantes da mostra, que traz o corpo de um homem negro salpicado de branco, com uma tartaruga como se fosse o seu rosto. O registro, sem título, é usado como material de divulgação do evento. "É uma foto impressionante, muito bonita, que realça essa proposta do Cravo, de esculpir com corpo seus trabalhos", destaca Fonteles.

Uma das fundadoras da comissão que deu origem à criação do Parque Yanomami, Claudia Andujar é destaque na mostra com dois trabalhos: Yanomami em Transe e Só Mesmo Yanomami. Os registros são de 1974. "Claudia Andujar é uma das grandes batalhadoras da causa indígena e seus trabalhos têm forte enfoque social", observa.

Integrante do acervo pessoal do curador, a foto Os Tocadores de Tambor, registro de 1947 do fotógrafo e etnólogo franco-brasileiro Pierre Verger, é a menina dos olhos da exposição. O material é um dos raros registros da mostra genuinamente documental. "É o trabalho mais antigo no nosso catálogo, custa no mercado uns R$ 20 mil", calcula Bené Fontelles.

Mapas Abertos

2008-07-11T04:08:00.000-07:00

Prostitutas do bairro La Merced, Ciudad de Mexico - Maya Godad

Exploração de indígenas andinos, da equatoriana Lucia Chiriboga

Porto Príncipe, Haiti - Robert Stephenson

Che Guevara de feijão - Vik Muniz

Uma mostra dedicada à fotografia contemporânea da América Latina é destaque da Bienal de Fotografia da Bélgica, "L'Été de la Photographie" ("O Verão da Fotografia", em tradução livre), que até o final de setembro promove uma série de exposições em 29 centros culturais das principais cidades do país.

Para os quarenta artistas latino-americanos - procedentes do Brasil, Argentina, Cuba, Colômbia, Peru, Costa Rica, Venezuela, Guatemala e Equador -, a organização da Bienal selecionou o célebre Palácio de Belas Artes de Bruxelas (Bozar).

"É uma resposta ao crescente interesse que os europeus têm por conhecer essa região", justifica o curador, o espanhol Alejandro Castellote.

Com o nome de "Mapas Abertos", a mostra reúne duzentas obras realizadas entre 1991 e 2002, que refletem em imagens a cara e a alma da América Latina, um continente "impossível de ser delimitado geográfica ou culturalmente", Castellote afirma.

Por isso, em vez organizar a mostra de acordo com os países dos artistas, o curador optou por dividir a exposição em capítulos que mostram "os rituais de identidade", os "cenários" e as "histórias alternativas" do continente.

Mistura
A Marginal Pinheiros de uma série de dez fotografias do brasileiro Cássio Vasconcellos divide espaço com as prostitutas do bairro mexicano La Merced nas fotografias de Maya Godad.

Castellote também não se limitou à fotografia pura. As obras expostas misturam técnicas de colagem, manipulação digital, sobreposição e pintura, como na série "A Representação de Mulher Gorda Nua", da brasileira Fernanda Magalhães.

O curador afirma que sua idéia era reunir trabalhos irreverentes e fugir dos temas "habituais" da arte latino-americana, como "utopias políticas e a denúncia das misérias sociais", mas o militantismo é gritante em algumas obras selecionadas.

O brasileiro Vik Muniz expõe o retrato de um Che Guevara desenhado com feijão, o argentino Marcelo Brodsky protesta pelos ex-alunos do Colégio Nacional de Buenos Aires desaparecidos durante a ditadura militar e a fotógrafa e socióloga equatoriana Lucia Chiriboga denuncia a exploração de indígenas andinos.

"Mapas Abertos" fica em cartaz no Bozar até 21 de setembro.
fonte: UOL

Porque fotógrafos fotografam?

2008-07-04T06:41:00.000-07:00

No Pix Channel podemos ter algumas respostas.
Grandes fotógrafos falando um pouco de como fotografam.
Tudo em vídeo e em inglês. Vale demais a visita.

Ingrid

2008-07-02T21:10:00.000-07:00

Medellin
Bogotá
Frankfurt
Depois de seis anos seqüestrada, a ex-candidata à presidência da Colômbia e sìmbolo da complicada situação política colombiana, Ingrid Betancourt, saiu da selva.

fotos: Isabela Lyrio

Luz da Paz

2008-07-01T12:07:00.000-07:00

Dona Ivone Lara

De um sorriso o mundo se abriu
Vi a luz da paz se propagar
Um silêncio nu falava em meu lugar
Coisas de fazer sonhar
Vi que o nosso sonho persistiu
Nem o tempo pode apagar
Não foi em vão aquela emoção
Que não canso de lembrar
Me de a mão e vamos caminhar
Juntos e recomeçar

Sonhar alimenta meu peito
Me dá forças pra continuar
A chaga que existe é o alento
Que me faz resistir demais
Sigo o tempo e vivo sorrindo a cantar
Tenho a chama da lembrança
A me contagiar
Renasce a esperança
Composição: Dona Ivone Lara/Bruno Castro

Foto: Isabela Lyrio

Enquanto isso no Maranhão...

2008-06-30T12:48:00.000-07:00

Walter Firmo aciona o obturador.

Foto: Armando Salmito

Access to Life

2008-06-19T12:34:00.000-07:00

Em Access to Life, 8 fotógrafos da Magnum retrataram 30 pessoas em 9 países, antes e quatro meses depois de começarem tratamento antiretroviral contra a AIDS.

Haiti - Jonas Bendiksen
Peru - Eli Reed
Mali - Paolo Pellegrin
África do Sul - Larry Towell
Swazilândia - Larry Towell
Ruanda - Gilles Peress
Rússia - Alex Majoli
Índia - Jim Goldberg
Vietnam - Steve McCurry

O trabalho pode ser visto em:
http://accesstolife.theglobalfund.org/

Stephanie Sinclair

2008-06-18T06:09:00.001-07:00

www.stephaniesinclair.com

Feliz Cumpleaños Che

2008-06-15T13:11:00.000-07:00

Auto retrato na Tanzânia, 1956

Cuba, 1959

México, 1955

Índia, 1959

Che en La Habana, 1963 - foto: Roger Pic

Hoje em dia, quando se pronuncia o nome de Che Guevara instantaneamente nos vem a cabeça a foto de Corda que, como se tivesse tomando vida própria, viajou o mundo em bottons, camisetas e revistas.
A relação de Che com a fotografia teve na verdade dois lados. O primeiro como objeto da fotografia, sempre carismático ele sabia como se deixar fotografar. Outro lado menos conhecido, que também o favoreceu no primeiro, é o do Che fotógrafo. Durante suas andanças pelo mundo ele sempre levava sua câmera. Unida ao seu domínio com as palavras, a fotografia lhe serviu para documentar os acontecimentos que o levaram a ingressar na guerrilha.
"Um artista com sentimento de guerra", assim Fidel o chamava; Che era também um artista das palavras e da fotografia que está gravado em nossas memórias com tenacidade e paixão, beleza e sensibilidade. A medida de todas as coisas...” (Victor Casaus)

Essas fotos são um fragmento de sua intimidade e demonstram o imaginário de um revolucionário.

Henry Macário, Havana – Cuba 2008

Para continuar comemorando, clique aqui.

A maior montanha do mundo para a maior mãe do mundo.

2008-06-13T10:27:00.000-07:00

(Por Joao Paulo Barbosa)

"Where can one find words with which to praise the Creator after seeing the imcomparable beauty of the Himalayas?", sings the Hindu

"Not even in a hundred years of the gods could I tell you of the glories of the Himalaya". The Puranas

Cheguei ontem pela manha em Kathmandu (capital do Nepal), vindo de Lukla, by plane. Foram 24 dias caminhando, sobe-desce sobe-desce, entre 2.900 e 5.546 metros, dentro do parque nacional mais alto do mundo, o Sagarmatha National Park - terra dos Sherpas, guardioes do Monte Everest. Uma regiao muito privilegiada: o Ama Dablam, o Kangtega, o Thamserku, o Kwangde, o Lhotse, o Nuptse, o Changtse, o Taboche, o Lobuche, o Pumori, o Cho Oyu, o Makalu... e tantos gigantes belissimos reunidos. Para mim, que sempre curtiu Historia, Fotografia e Montanhismo, foi um dos melhores presentes da vida. Descer sozinho o Kala Pathar (5.543 m), com a luz incrivel da Lua cheia iluminando tudo, sem um movimento de vento, num mundo de silencio profundo, com o monte Everest crescendo a minha frente, posso dizer, lembrar e emocionar-me para sempre, que foi um dos momentos mais bem vividos de toda a minha vida. Entendi perfeitamente o "love affair with a mountain", vivido pelo alpinista George Mallory, entre 1921 e 1924. No meu caso, precisei viver 34 anos e viajar 265 dias para encontrar-me ali, diante de um simbolo, de um mito, de uma massa de rocha que encanta meio mundo e que, ha tantos milhoes de anos atras, ja foi o fundo de um mar.

"Chomolungma"
A montanha revelou-se,
devagar
como um grande amor.

Dentre os pontos altos dessa caminhada (interna e externa; "I'm delighted on my voyage inward for there is always room to grow", escreveu Reinhold Messner, apos a primeira escalada solo em sem oxigenio do Everest, em 1980), alem das figuras rarissimas que conheci e que pude compartilhar tudo de bom que se vive nas montanhas - 'aprendi a conhecer melhor as pessoas atraves das pedras que elas escolhem pisar ao caminhar' - , cito a subida solitaria ao Chhukung Ri (5.546 m), uma noite de "sonhos de apneia" no acampamento-base do Everest, a travessia do Chola Pass (5.330 m), e, por fim, a subida ao topo do Gokyo Ri (5.483 m). Nao sao, nem de longe, consideradas aventuras perigosas, que merecam um "parabens, voce mandou muito bem". Mas, ao contrario, o que sempre contou para mim foi a possibilidade da altura ampliar a dimensao da paisagem. Como bem definiu Robert Macfarlane, em seu Mountains of the mind, "visionary amplitudes of altitute". E, tambem, o prazer sem fim de estar bem e em paz em qualquer lugar. Eh isso o que me faz queimar os musculos das pernas, me deixar com nos (acento) nas costas e exercitar ao maximo a economia do ato, tao esquecido, de respirar com concentracao e consciencia vital.

Ontem, voltando a Kathmandu, feliz por estar voltando a "civilizacao", dei-me conta pela centesima vez (e nem precisava dar-me mais conta disso) que a vida com a montanha, no meio da natureza, eh bem mais vida, bem mais sonho, bem mais intensa, bem mais... real. Sao momentos, sao dias, sao situacoes, que me promovem, me deslocam, me transportam, para um universo sem modernidade, sem tecnologia, sem aceleracao. Acho que me vejo como um mergulhador das altezas, ou um montanhista das profundezas. Montanhas, ja disse antes, sao altares. Entao, acordei, calcei as pesadas botas, e fui rezar. Lembrei-me da bela frase de Kim Stanley Robinson, no classico 'Escape from Kathmandu': "One of those quiet Himalayan moments, where the world seems like an immense chapel". Quando me perguntam (e aqui na Asia sempre perguntam) qual eh a minha religiao, qual eh o meu deus (ou Deusa), divirto-me respondendo "minha religiao eh o caminhar na natureza, passear pelo mundo", e que meu deus (ou Deusa) "eh o Sol, a Lua... tudo o que eh para todos".

Quando nos reencontrarmos terei muito mais inspiracao e tempo para contar-lhes sobre a textura de cada pedra e de cada rosto que toquei com os olhos ou com os dedos, nesta viagem inesquecivel aos pes da maior montanha do mundo.

beijos e abracos de 8.850 metros,

Joao

PS - o nome tibetano para o Everest eh, ha muitos seculos, Chomolungma, "Deusa Mae do Mundo".

PS 2 - Este mixto de relato-mensagem eh especialmente dedicado a melhor mae do mundo, a minha!, dona Joy Santos Barbosa (17 de junho), alpinista de pedras-mais-que-preciosas. Com todo o carinho e amor para ela (e para todos voces tambem) segue uma selecao de "imagens das alturas" feitas com a melhor luz disponivel aos olhos. Valeu mae! ... mais uma vez, tocamos a troposfera!

...

Nota fotografica: Chomolungma aparece nas fotos 7558, 7594, 7621, 7448, 7451 e 7469. A ultima foto nao eh minha. Foi feita pela montanhista chilena Francisca Caballero. Sou eu, depois de escalar nas geleiras do glaciar do Khumbu, ponto de partida para os alpinistas que escalam o Everest, o Lhotse ou o Nuptse.

Tutche! Sala tetu!*

*(Grato. Ate breve!, na lingua Sherpa)

Uma eterna criança

2008-06-11T11:10:00.000-07:00

Entendo, hoje, aos setenta anos, que o que sustenta um homem realizado e feliz é o seu trabalho, o amor pelo outro no sentido da compaixão e da solidariedade e, principalmente, a criança que dentro do ser adulto nunca deve morrer. A vida, além de ser um moinho, como disse Cartola, é também um imenso parque de diversões, e estou certo de que não viemos aqui para nos aborrecer nem nos estressar, mas sobretudo para gozar as delícias dessa rápida passagem.

Walter Firmo
Fonte textual: Revista impressa FS

Por el mejoramiento humano

2008-06-11T10:54:00.000-07:00

Próximo ao dia que Che completaria 80 anos, uma manifestação agita a cidade de Havana – Cuba. Jovens estudantes, operários, combatentes e artistas reuniram-se em protesto contra a prisão de cinco cubanos em cárcere norte-americano, confundidos com terroristas, justamente quando estavam pesquisando um ato terrorista em seu país.
O protesto aconteceu no Monte das bandeiras da Tribuna Antiimperialista Jose Martí, o lugar mais representativo no que tange ao repudio aos excessos imperialistas do governo dos Estados Unidos. As bandeiras negras, em frente ao prédio de negociações com o governo americano, representam o luto pelas pessoas mortas em combate e por ataques terroristas. A quantidade (138) significam cada ano de luta do povo cubano desde sua independência.
Os cinco cubanos em questão, Gerardo, Antonio, Ramon, Fernando e Rene, estão presos desde 1998 e foram recentemente sentenciados, pelo governo americano, por mais 13 anos de cárcere. Eles estavam investigando o ataque terrorista a Cuba, liderado por Santiago Alvez, venezuelano, que desfruta de liberdade ao invés de ser extraditado ao seu pais. É triste, mas ao mesmo tempo inspira esperança ver que ainda existem jovens que crescem acreditando na liberdade, na justiça e na ética, preceitos essenciais a qualquer sociedade, seja socialista ou capitalista.

Claudia Brandão e Henry Macário

Uma foto é feita em 1/500s

2008-06-10T07:58:00.000-07:00

O que está nela é que demora muito tempo para ser criado.

Claudia Andujar

2008-06-06T05:57:00.000-07:00

Claudia Andujar nasceu na Suíça e viveu na Hungria e Estados Unidos, onde estuda no Hunter College de Nova Iorque. Na década de 50, muda para São Paulo e começa a fotografar. Em 57 se naturaliza brasileira. Atuou como fotojornalista na extinta Realidade e tem imagens publicadas na Life, Fortune, Quatro Rodas, entre outras. Já na década de 70 começa a documentar a vida dos índios amazônicos, notadamente os yanomami. Em 1979, participa da Comissão pela Criação do Parque Yanomami; em seguida, coordena campanha pela demarcação do território Yanomami e, entre 1993 e 1998, o Programa Institucional da Comissão Pró-Yanomami. É autora dos livros: 'Bicos World', (EUA, 58); 'The Amazon', (Holanda, 73); 'Amazônia' em parceria com George Love (78); 'Mitopoemas Yanomami' e 'Yanomami em frente do Eterno', (ambos de 79); 'Missa da Terra sem Males' (82). Em 1972, realiza o filme documentário 'Povo da Lua, Povo do Sangue: Yanomami'.

Recebeu duas bolsas da Fundação Guggenheim, de Nova York, em 1972 e 1974; e da Fundação de Auxílio à Pesquisa do Estado de São Paulo em 1976. Já expôs em diversos países como EUA, Portugal, Suíça, Alemanha, entre outros. Suas imagens fazem parte do acervo do MoMA, Eastman House e Museu de Arte de Houston (todos EUA). No Brasil, tem obras nas coleções Pirelli/Masp de Fotografia e MAC/SP.

Por Juan Esteves

Não é possível definir o trabalho de Claudia Andujar como documental. Há muito mais da arte do que da ciência em suas imagens. Muito mais emoção do que razão. O movimento, o uso do chiaro-scuro apurado, a sutileza de suas insinuações, estão mais para o prazer do que para o conhecer.

Suas imagens se tornaram antológicas a partir do momento em que os demais, ávidos da mesma mescalina, banalizaram o objeto fotográfico. É justamente por isso que seu portifólio sempre é poderoso. Arrojado por natureza, é vanguarda de qualquer época, é vanguarda da boa fotografia, da boa arte.

Fonte: Revista eletrônica FOTOSITE

Espiritoculto

2008-06-04T08:20:00.000-07:00

Debaixo das sombras escorre uma sombra mais densa. Ela se move a procura do mágico. Não o mágico prestigitador, aquele que encanta, mas o mágico que é mistério. Atrás das sombras existe uma profunda magia. Movimento de bicho, elo perdido, gasto no sonho de um dormir provocado, derrubado, induzido por desespero certeiro. Corpos caídos, por cima, a sombra, o negror.
Real, matéria-prima para quem o sabe moldar à imagem de seu sentir e, assim, retratar sua busca interna. O mistério do próprio eu trasmitido nas imagens. A magia do que procuramos em nós através desse lado de fora que enganosamente chamam de realidade.
A faca que penteia deixa ver a cicatriz que não é dor, apenas tensão do que está por vir. Por debaixo das sombras está não a vontade de mostrar, mas aquela de deixar sonhar, de soltar a imaginação. Aquela silhueta no mar, afinal, estará se envolvendo em espumas...?
Miguel Rio Branco

fotos: Christian Cravo
http://www.christiancravo.com/

As crianças do terremoto

2008-06-01T08:40:00.001-07:00

Parente busca nome de estudantes sobreviventes, em um estádio na cidade de Mianyang . Bobby Yip / Reuters

Em um país onde cada família tem permissão para ter somente um filho, que irá cuidar de seus pais quando estes forem idosos, o terremoto deixou um corte profundo na estrutura social chinesa. Michael Reynolds / EPA

Uma mãe segura o retrato de seu filho nos escombros da escola Fuxing. China Photo / SIPA

Crianças que sobreviveram ao terremoto cantam e dançam como parte da terapia organizada em um campo de famílias desabrigadas em Mianzhu. Autoridades estimam que mais de 5000 crianças ficaram órfãs com o desastre. Frederic J. Brown / AFP

Polícia tenta parar marcha de pais protestando em Mianzhu. Shiho Fukuda / New York Times

Jian Guozha, chefe do Partido Comunista de Mianzhu, ajoelha no chão perante pais furiosos, rogando que parem sua marcha. Shiho Fukuda / New York Times

Milícias e tortura

2008-06-01T07:25:00.000-07:00

Rio - A noite do dia 14 de maio não terminou para a equipe de O DIA que fazia reportagem especial na Favela do Batan, Zona Oeste. Repórter e fotógrafo completavam 14 dias vivendo no local e a ansiedade natural do grupo – que sabia estar em território inimigo e tomava todos os cuidados para não chamar a atenção – deu lugar a um desconfiado otimismo, depois que moradores da favela convidaram parte da equipe para uma cerveja no Largo do Chuveirão. Fotógrafo e motorista, que havia se unido ao grupo, aceitaram o convite. A repórter ficou em casa, para não desobedecer a velada ordem da favela, que lança olhares de reprovação a mulheres desfrutadoras da noite.
A lei local, paralela como toda estrutura de comércio e serviços na região, também definiu fim violento para o trabalho da equipe do jornal na comunidade. No Largo do Chuveirão, local de maior concentração da favela, uma emboscada à vista. Fotógrafo e motorista, que imaginavam estar apenas indo para uma festa, acabaram conhecendo o inferno: foram rendidos por 10 homens armados, usando toucas ninja para cobrir o rosto. Mas outras coisas os bandidos não faziam questão de esconder: um dos carros usados no seqüestro foi o Polo vermelho placa KPB 4592, veículo de "policiamento" da milícia local. Sim, eram policiais e faziam questão de ressaltar isso.
O resto da história aqui.